Digerindo Arte

...as coisas como elas são...

2010-02-18T07:28:00.000-08:00

Esse é um post deslocado. É simplesmente um comentário pontual de uma situação que aconteceu, e que vi que talvez valesse a pena escrever sobre, e tratar brevemente e de forma tímida sobre.

Não tem nada tão bom quanto conseguir enxergar as coisas como elas são. Isso é, simplesmente, aliviador. Estou falando da realidade em si, das relações, e de tudo que rodeia e permeia nossas vidas.

No último post do ano passado, no qual se comentou a respeito das tirinhas do Calvin, me vem na cabeça isso. Agora mais claro do que nunca. Ver claramente as coisas é a chave para viver. O homem tende a criar situações, a criar mundos paralelos nas coisas, procurar motivos dentro daquilo que simplesmente é o que é, e criar até mesmo fatos (ou interpretações de fatos) para adequar a realidade à maneira que melhor lhe convém naquele momento.

E isso só acontece se o homem se fecha. Fecha a si mesmo de receber do mundo o que ele se dispõe naturalmente a oferecer. E que é tão bom o que ele nos oferece! Tanto em relacionamentos com outras pessoas, quanto no simples vivenciar fenomenologicamente a realidade, e receber sensivelmente aquilo que chega a nós.

Calvin naquela última tirinha fecha com a frase "It's a magical world, Hobbes, ol'buddy... Let's go exploring!". Comentei essa mesma coisa a respeito dessa frase, mas é estranho como, de repente, ela se torna muito mais paupável e clara, e como a chave para viver. Pois o mundo é realmente mágico, o homem é um ser mágico, no sentido de ser complexo e misterioso, e desvendar o homem é uma façanha que muitos tentam empreender. E, acredito, que só se o faz bem quando se está empenhado em verificar na realidade o que nela acontece. Quando se está proposto a se abrir à realidade. A deixar-se permear por essa realidade. A sofrer eventualmente o que essa realidade pode oferecer (pois é a única coisa que ela pode. É o que ela é).

O que me lembra uma das músicas que mais gosto do Pat Metheny, que se chama "As it is". É instrumental, portanto, num tenho como falar da letra, mas ela vale ser ouvida.

A melodia da música é simples, ela, a meu ver, apresenta claramente esse abrir-se. Estar para o mundo, e comprometer-se em aceitar o que ele nos mostra. Comprometer-se pois nem sempre é o que queremos ver, mas sim algo que pode doer, que podemos querer discordar, que não vemos lógica em aceitar, etc. Mas que é como as coisas são. "Let's go exploring!", e explorar e aceitar o que encontramos. Simplesmente aceitar "As it is"...

Nunca quis fazer desse blog algo pessoal, que eu contasse causos internos meus, ou coisas pessoais. Acho que já existem blogs demais desse tipo, e que o que eu sinto não realmente interessa aos outros, que ninguém de verdade se interessa pelo tenho a dizer. Mas, na verdade? Acho que me iludi nisso... Meu blog SEMPRE foi assim, nunca teve acessos significativos, nem comentários nem nada. Assim, a existência dele já foi um extravasamento per si, e que, realmente, nunca interessou aos outros, mas que foi bom escrever! Foi bom pensar e colocar tudo isso aqui, para que eu mesmo lêsse, e visse como as coisas mudaram, evoluiram, ou quanta besteira eu falei, etc. E, junto disso, eu consigo agora ver bem mais claramente como as coisas são... Pessoalmente e extra-pessoalmente, e intra-pessoalmente. E estou feliz com isso... Muito feliz e aliviado!

...meu melhor texto...

2010-01-18T10:59:00.000-08:00

Bom, já que esse blog está bastante avacalhado (terminou, mas nem tanto; está no ar, mas ninguém entra; ainda existe, mas ninguém posta...), vou tratar de aceitar sua situação e começar a avacalhar também. Postarei a seguir o melhor texto que já escrevi na vida. Trata-se de um comentário a cerca de um evento que aconteceu ano passado, quando adubaram os jardins da minha amada faculdade, a famosa FAU. É ao menos divertido... Havia me esquecido dele, mas encontrei no site da Lú, nossa companheira noturna na FAU. Espero que apreciem!

Só resta bosta sobre bosta - ou uma visão histórico-sociológica sobre o presente odor FAU-USPiano (ou apenas um texto para entrar na brincadeira...)

Por: Eduardo Camillo K. Ferreira
digerindoarte.blogspot.com
São realmente interessantes os comentários que se vêm delineando a respeito da nova ambientação da FAU, principalmente o que se tem falado sobre seu odor temporário (tempo esse que já se delonga por incontáveis duas semanas e meia). Mas há um ponto que não se tem atentado, que é o fato de essa atitude dialogar com o contexto pós-moderno da sociedade, e o presente texto visa justamente expor e justificar essa posição.
Sem entrar no mérito da justificativa ou não desse termo (o pós-moderno), assumamos como o que aconteceu em seqüência ao alto modernismo. A movimentação do centro artístico mundial da Europa para os Estados Unidos, mais precisamente em Nova York e o expressionismo abstrato; observamos que a bosta aí começa. Não, caros amigos, não estou tentando subverter algo incomparavelmente gracioso como a sólida obra de Pollock, mas sim o contexto por detrás de tudo que aconteceu.
A transposição desse centro para a América expõe a fragilidade anteriormente presente na produção européia, desde seus primórdios modernos, o impressionismo. Desse ponto em diante, a liberdade do artista se mostrou inclusive maior que seu próprio ego, e a palavra novidade foi o paradigma instaurado no meio de produção das artes, com a eleição de intérpretes conceituais, os chamados críticos, para abrir os olhos dos ignorantes frente a essa enxurrada de projetos artísticos tão "avant-garde" quanto o urinol dentro do museu. É aqui que começou o redemoinho digestivo, que mais tarde acarretaria na diarréia presente na FAU.
Enfim, dentro desses movimentos artísticos europeus, o grau de idealismo presente em todos, desde as vertentes positivas até as negativas, foi algo realmente louvável, embora tenha sido a primeira flatulência do por vir "esmerdeio". A idealização do ente homem como algo lógico acabou por levar ao fracasso a odisséia moderna, já que estes esqueceram do indivíduo e seu subjetivo (vagamente lembrado apenas no expressionismo alemão). É nesse ponto, amplificado pelo pós-II Guerra e seu subseqüente "individualismo", que encontramos esse teletransporte transatlântico (ou trans-asio-pací¬fico, dependendo da referência), quando a potência americana tomou para si o posto de cabeça do mundo das artes, justamente com um movimento artístico individualista e egocêntrico como foi o expressionismo abstrato, temerosamente e desastrosamente copiado por artistas ingleses, que construíram um histórico de obras extremamente frágeis, e que reafirmavam a fragilidade do homem ideal positivista (Argan). Aqui, já estamos na "freada na cueca".
A história nos mostra que a seqüência dessa história desembocaria nos movimentos subjetivistas setentistas, onde a arte conceitual e o universo particular de cada artista passariam a ser a "bosta paradigmática", a referência máxima do "pra-frentismo artístico", e a conseqüente morte da pintura na década de 80, e sua ressurreição em 90 (diga-se de passagem, esse foi o ponto onde a humanidade estava cagando e andando...).
É interessante observar esse contraponto: o homem ideal passa a ser o homem individual, as bases cartesianas são substituídas pela fenomenologia da percepção Merleau-Pontyiana, e a racionalização deixa seu posto para a subjetivação. Opostos tão grandes quanto o próprio atlântico. Mas, mesmo assim, mesmo com essa grande distância diametral entre esses pontos, a desencadeação de um para outro é a mesma que comer maionese estragada: a merda é inevitável.
E onde entra a FAU aqui? Justamente nessa transição: uma construção moderna idealista em pleno momento de ascensão pós-moderna (1969), ou seja, a merda atrasada, mais conhecida como prisão de ventre. E para soltá-la, nada mais eficiente do que um bom laxante: o projeto da FAU como um todo. E como merda grande sempre vira referência, lá está o grandioso e benevolente (benevolência essa muito bem apresentada pelo aluno Kiyoshi) tombamento do prédio.
No entanto, os alunos, funcionários e diretores trataram de readequá-la aos novos tempos: a sujeira entendida como ruído sendo algo desejável, a liberdade absoluta característica do modelo pós-moderno de vida de poder colar e rabiscar o quanto quiser seu interior, como um projeto de design de interiores feito a milhares de mãos extremamente habilidosas (lembrar do desenho no banheiro masculino onde há a representação do cartaz da primeira "FAU MOSTRA DESIGN", mas com a excelente e muito boa adaptação para "FAU BOSTA DESIGN". Conheço o autor, mas vou privá-lo da fama). Junto a essa ação dos alunos, nossos diretores e funcionários nos colocam agora a cereja do bolo: a bosta. A merda. O excremento. As fezes. A titica. Os dejetos. O pior-do-homem. O cocô. Enfim, o produto de coloração amarronzada proveniente de organismos pluricelulares, normalmente vertebrados, e mais evoluído nos mamíferos. E se pensarmos o cheiro como partículas em suspensão do objeto de origem, podemos assumir que estamos nadando na merda, respirando a bosta, interiorizando, por fim, esse ambiente pós-moderno.
Sem querer parecer presunçoso, mas minha pessoa já havia profetizado esse momento 2 anos antes, em trabalho realizado para a disciplina de Projeto Visual 4, ministrada pelos professores Marcelo Bicudo e Takashi Fukushima, onde lancei mão da fonte eletrônica Platelet para criar o trabalho chamado por mim de "BOSTA PÓS-MODERNA", naquele momento rechaçado por ambos os professores. Hoje, eles respiram essa mesma Bosta pós-moderna que nós.
Concluindo, o presente ensaio expôs alguns pontos históricos e sociológicos, e o porquê desse horrível fedor que invade e infecta nossos pulmões, de modo a que paremos de culpar nossos administradores, e passemos sim a assumir nossa parcela de culpa pelo ocorrido, já que fazemos parte da humanidade, e é dela que veio a bosta pós-moderna.
Eduardo Camillo K. Ferreira

...por que não?...

2009-12-18T08:29:00.000-08:00

Bom, eu sei que matei esse blog, mas ele é meu e faço o que quiser com ele, então se eu quiser postar nele algum dia, eu posto e pronto!

Fico sempre bobo em final de ano... Lembro as coisas que aconteceram, confundo com coisas do ano anterior, misturo tudo, e sempre me parece que o saldo foi positivo... Mas não importa, essa época do ano é algo magnífico, e esse espírito merece ser plenamente vivido, pois nos torna pessoas melhores. Uma vez ouvi a seguinte frase, m

eio brega, confesso, mas que explica ótimamente esse tempo, ao menos para mim:

"Quem teve a idéia de cortar o tempo em fatias, a que se deu o nome de ano, foi um individuo genial".

Nada como ter um começo para poder recomeçar. E nada como ter um fim para pesar as coisas... E para "ajudar" nesse momento, vou colocar uma tira do Calvin que muito me diz, e que tentarei falar um pouco sobre a seguir:

A tira é simplesmente fantástica, me dá uma coisa que eu não sei explicar. Não gosto de ser muito subjetivista, mas é que, não sei se pelas ocasiões que olhei essa tira, ou de momentos a que ela me remete, não sei, mas ela fala demais. E, como sempre, tudo aquilo que mais me toca, eu não consigo escrever...

Calvin é um menino por demais genial para que uma tira desse tipo seja apenas uma tira. Ainda mais por ser a última tira de todas. E, o interessante, é que é uma tira extremamente positiva.

Coloca a mudança, aquela mudança inesperada (ou mesmo esperada e premeditada), como uma oportunidade, uma renovação, "a brand-new world", com um sem número de possibilidades, ou, para ser mais preciso, uma nova chance. Uma nova chance de recomeçar, de fazer melhor o que queremos fazer, ou o que temos que fazer. De sonhar sem barreiras. Como o próprio Hobbes coloca, "It's like having a big white sheet of paper to draw on!" ("É como ter uma grande folha em branco para desenhar!"). Acredito que, para aqueles que desenham, como é o caso do criador do Calvin, não existe metáfora melhor que essa.

"É um mundo mágico, Hobbes, velho amigo... Vamos explorar!"

Explorar é a palavra chave talvez. Quando se está no intuição vivencial de "exploração", os sentidos se encontram alertas para novidades, para a realidade, para as coisas, para o mundo; para fora de nós mesmos, resumindo. Não acredito que as respostas para as coisas do mundo estejam em nós mesmos, no ego de cada um conversando consigo mesmo. Não mesmo... Exemplos de individualismo sempre deram em cilada no final (bons exemplos estão no futebol).

Mas um ponto interessante nessa tirinha é o movimento final. Ela realmente encerra o ciclo de tiras do Calvin. Todas que me lembre que eles estão ou no trenó ou no carrinho de carregar coisas, eles passam pelo plano de foto do quadrinho, mas terminam parados, ou pelo menos, no foco. Essa não, eles terminam de costas, se afastando... Felizes. Essa idéia do movimento, essa brincadeira constante deles dois com os carrinhos é uma metáfora muito interessante para o passar do tempo, para o crescimento, para o futuro. E, nesse caso em especial, o final não é fechado, não possui uma moral, mas é aberto... É o futuro simplesmente. E que merece ser explorado e vivido, like a big white sheet of paper... Não há limites, apenas possibilidades. E aqui cabe novamente a frase que mais gosto e já coloquei aqui algumas vezes, "porque se chamavam homens/ também se chamavam sonhos/ e sonhos não envelhecem". Talvez seja esse o motivo pelo qual o desenhista do Calvin nunca o tenha feito crescer. O pensamento analítico do garoto é de um adulto (e percebemos isso em especial quando ele tenta fazer as coisas para si mesmo, voltado para seu próprio benefício), mas ainda com sonhos de criança, com amigos de criança, modos de criança, vida de criança. Na tirinha a seguir conseguimos ver isso de maneira muito clara. Ela é grande (na verdade é uma grande sequência), mas é das mais geniais do personagem.

Esse espírito infantil está presente, inclusive, na mãe do Calvin, quando no momento de preocupação, abraça Haroldo e começa a falar com ele. Este, no entanto, não vira um tigre de verdade, pois não é vivido de maneira completa. Ainda há o estigma de adulto na mãe do Calvin, e este transparece na frase final dela. Quanto ao Calvin, o momento mais infantil dele é na última tira, caracterizado pelo abandono e dependência dele no outro, e é disso que eu falava quando comentei sobre o individualismo. A verdadeira alma humana, a essência do homem, está nessa confiança no outro. Talvez até mais que confiança, e sim de entrar no mundo do outro, no conceito de compaixão, que é partilhar em si o que o outro sente, entender seus sentimentos e tomar para si. Isso se aplica na alegria, tristeza, euforia, dúvida, etc. Pode parecer meio chavão um comentário desse a essa altura do campeonato, mas, infelizmente (ou, para mim, felizmente), é a realidade, e se vivemos nela, é assim que ela se mostra.

Enfim, como falei, final de ano me deixa meio tonto...

...tudo tem seu fim...

2009-11-04T17:21:00.000-08:00

Pois é. Decidi parar de postar no digerindo arte, então, ao invés de o abandonar e pronto, vou deixar um post de finalização. Por que decidi parar? Porque ele, afinal, serviu para o que deveria servir...

Comecei a estudar arte por puro vislumbre. E estudei por muito tempo muito mais Arte do que qualquer outra coisa. Estudar arte me levou ao minimalismo. Esse me levou ao design minimalista, e ambos 'a fenomenologia. Minha atenção, assim, retornou (estranhamente) ao design. Quero estudar design e não consigo mais ter o mesmo vislumbre que antes com a arte.

Vejam bem, não é que não vou mais a exposições, nem vou continuar lendo a respeito. É apenas que eu não tenho mais interesse nem motivação de escrever sobre. Existem pessoas muito mais competentes para falar sobre isso, e eu pretendo apenas me especializar no que me interessa agora: design.

Se por um acaso eu tiver algum fã (o que seria um grande absurdo, mas estou apenas aproveitando a oportunidade para linkar o digerindo arte com outro site), continuo escrevendo agora no Design Simples; mas sobre design.

Digerindo Arte: 22/01/2008* - 04/11/2009+ às 23h22

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Felicidade a todos!

...festival musica do Brasil...

2009-09-16T07:10:00.000-07:00

Conforme comentei no post anterior, aconteceu o festival Música do Mundo esse sábado agora que passou. As apresentações foram em Três Pontas, Minas Gerais, terra de Milton Nascimento e Wagner Tiso. E, obviamente, meu post será sobre eles (talvez eu tenha mais falado de Milton Nascimento nesse blog do que qualquer outra coisa). Será um post mais emocional do que descritivo ou analítico, pois a experiência de ir a Três Pontas e ver o show foi arrebatadora.

A música é Coração de Estudante, composição de Milton e Wagner Tiso, e é provavelmente das mais famosas do compositor. A letra dela é algo soberbo, e tentarei o melhor de mim para expor o que penso dela.

Quero falar de uma coisa
Adivinha onde ela anda
Deve estar dentro do peito
Ou caminha pelo ar
Pode estar aqui do lado
Bem mais perto que pensamos
A folha da juventude
É o nome certo desse amor

Já podaram seus momentos
Desviaram seu destino
Seu sorriso de menino
Tantas vezes se escondeu
Mas renova-se a esperança
Nova aurora a cada dia
E há que se cuidar do broto
Pra que a vida nos dê flor e fruto

Coração de estudante
Há que se cuidar da vida
Há que se cuidar do mundo
Tomar conta da amizade
Alegria e muito sonho
Espalhados no caminho
Verdes, plantas, sentimento
Folha, coração, juventude e fé

Aparentemente, a música tem também bastante a ver com o período a qual foi escrita, a ditadura, mas ainda assim é possível fazer uma leitura mais atual dela, ou até talvez mais universalizante, e é justamente o que eu tentarei fazer...

A primeira metáfora que aparece na música é a juventude como "folha". Folha numa árvore é aquilo que a sustenta, que tem o papel de alimentar e fazer viver toda a árvore, é nela que acontece a fotosíntese, onde se produz o alimento. Vemos aqui aquela célebre frase "o jovem é o futuro da humanidade". A folha que depois virará galho, e que se tornará tronco, mas que enquanto folha é a parte mais viva, mais verde, mais importante da árvore. É ela que se move ao vento, que faz o ruído do farfalhar das árvores.

E, por ser a parte mais importante, é também a mais sensível de toda a árvore. A que mais sofre os momentos de intenpérie, mais fácil de ser arrancado. "Já podaram seus momentos/ Desviaram seu destino/ Seu sorriso de menino/ Tantas vezes se escondeu". É aqui o momento onde encontramos a referência à ditadura e repressão ao movimento estudantil, mas, abrindo um pouco mais a leitura, e a partir do meu ponto de vista, podemos focar na relativização de valores importantes para o homem, como o amor, a cortesia, a amizade, e tantas coisas que se tem tentado tirar o peso na nossa vida, quer no desconstrutivismo filosófico, quer na prática mercadista capitalista, quer no idealismo pseudo-igualitário marxista.

E, a meu ver, é justamente a essa retomada dos valores, à capacidade da juventude de sonhar, de lutar, de não conformar-se, que a música nos pede a atenção. "Mas renova-se a esperança/ Nova aurora a cada dia/ E há que se cuidar do broto/ Pra que a vida nos dê flor e fruto".

Já dizia em outra música, também comentada nesse blog, a grandiosa "Clube da Esquina nº2":

"Porque se chamava moço/ Também se chamava estrada/ Viajem de ventania/ Nem lembra se olhou pra trás ao primeiro passo".

A juventude é aquilo que nos dá a capacidade de avançar, de botar o pé na estrada ("Um pé na soleira e um pé na calçada/ Um pião/ Um passo na estrada e um pulo no mato" - Léo, Milton Nascimento), de sair de nós mesmos, de arriscar, de possuir ideais de vida, de mudança.

E o mais interessante é que essa Juventude é algo que não é literal, mas "Deve estar dentro do peito/ Ou caminha pelo ar/ Pode estar aqui do lado/ Bem mais perto que pensamos". É para todos. Também da música "Clube da Esquina nº2", escreve Márcio Borges:

"Porque se chamavam homens/ Também se chamavam sonhos/ E sonhos não envelhecem".

É algo interno, uma moção pessoal, que se reflete no grupo. É o próprio nome da música: "Coração de estudante/ Há que se cuidar da vida/ Há que se cuidar do mundo/ Tomar conta da amizade".

É o final da música: "Coração, juventude, e fé".

...como um idiota...

2009-08-13T09:35:00.000-07:00

A gente costuma não saber falar bem das coisas que mais nos tocam, pois chega a ser irracional. Não sabemos bem o porquê, mas aquilo mexe conosco de tal maneira que não é possível objetivar em palavras uma justificativa plausível e que cause a mesma coisa nos demais.

E, para mim, isso acontece com as músicas do Milton Nascimento. Quase todas. Não sei falar delas, fico como um idiota procurando palavras, e simplesmente resulta em algo ridículo. Já tive experiência com outros dois posts sobre o assunto (aqui e aqui), e vi que não dá certo. Por isso, vou simplesmente colocar aqui a primeira música na voz dele que me rendeu (pois a composição não é dele).

O monstruoso solo do final é do Toninho Horta. Quem for ao Festival Música do Mundo poderá acompanhar a ambos, e quem sabe até em algum momento juntos...

...vazio de idéias...

2009-08-10T13:42:00.000-07:00

Eu entendo perfeitamente a resistência de muitos quanto à arte contemporânea. Ela se mostra vazia uma consideravel quantidade de vezes. Mas às vezes ela até que é boa, o que não ajuda muito é o texto curatorial dela. E para ilustrar tal ponto, segue uma análise não da obra, mas do texto que "contextualiza" um trabalho que encontrei.

A obra se chama Éter, da artista Alice Shintani. Está expondo nesse momento na Galeria Virgílio. A obra parece interessante pela foto, e o texto que se coloca após ela também:

"Como olhamos o que olhamos?

Em que medida percebemos as pessoas, as coisas, o mundo, para além de um mero reflexo de nós mesmos? Buscamos de fato o estranhamento de um novo encontro ou procuramos o conforto do familiar? Agüentamos esse estranho ou necessitamos logo identificá-lo, rotulá-lo (e descartá-lo)?"

O texto segue. E segue, logo após ele, o "Texto-crítico" (as aspas já vieram do próprio site, quase ironicamente), e o texto finalmente:

"Artistas são endossados por exposições. Exposições são endossadas por textos-críticos. Textos-críticos são endossados por citações a pensadores. Pensadores são endossados por artistas:

“A obra de arte não é um instrumento de comunicação. Aliás, a arte não tem nada a ver com comunicação. Ela não contém a mínima informação. O que existe, ao contrário, é uma profunda afinidade entre obra de arte e ato de resistência.” [G. Deleuze]

“Mas o que significa resistir? É antes de tudo ter a força de des-criar o que existe, des-criar o real, ser mais forte do que o fato que aí está. Todo ato de criação é também um ato de pensamento, e um ato de pensamento é um ato criativo, pois o pensamento se define antes de tudo por sua capacidade de des-criar o real.” [G. Agamben]"

Eu acredito que foi a própria artista quem escreveu isso, e não um crítico efetivamente, mas enfim. A análise é válida de qualquer maneira (embora acredite que não seja tão necessária assim, com tamanha pérola que encontrei). Vamos da primeira parte:

"Artistas são endossados por exposições. Exposições são endossadas por textos-críticos. Textos-críticos são endossados por citações a pensadores. Pensadores são endossados por artistas".

O que se pretende aqui é um falso silogismo. Irônico de certa maneira, pelo menos ao meu ver. Digo isso pelo seguinte: endossar é demonstrar apoio a alguma coisa ou idéia. Assim, é sustentar essa idéia. Quem sustenta o artsita é a exposição. E a exposição só se encontra completa quando há um texto crítico para ela, senão, não é exposição (o que é uma grande balela). Textos críticos se constróem e encontram justificativas em citações a pensadores (para não dizer encher linguiça). E quem sustenta o pensador é justamente o artista, que cria a demanda por seus textos. Tudo claramente uma grande bobagem, e espero do fundo do coração que o intuito de tal sequência de idéias tenha sido com intuito humorístico... Mas o texto continua. Justamente com uma citação para que o conteúdo do trecho anterior seja endossado:

“A obra de arte não é um instrumento de comunicação. Aliás, a arte não tem nada a ver com comunicação. Ela não contém a mínima informação. O que existe, ao contrário, é uma profunda afinidade entre obra de arte e ato de resistência.” [G. Deleuze]"

Nada menos do que Deleuze. Não sei se o leitor vai me achar agora um tanto quanto atrevido, mas me parece nesse momento pelo menos óbvio que a citação não faz o menor sentido. Mesmo que deslocada de sua fonte, afirmar que uma obra de arte não é instrumento de comunicação é algo que deve causar ânsias a qualquer pensador descente. Antes de continuar, vai o trecho seguinte, para que a idéia esteja completa na hora de falarmos dela.

“Mas o que significa resistir? É antes de tudo ter a força de des-criar o que existe, des-criar o real, ser mais forte do que o fato que aí está. Todo ato de criação é também um ato de pensamento, e um ato de pensamento é um ato criativo, pois o pensamento se define antes de tudo por sua capacidade de des-criar o real.” [G. Agamben]"

Agora o vazio intelectual está simplesmente completo. Deleuze nos apresenta a idéia de que a obra de arte não é comunicativa, não é instrumento de comunicar, e nem contém informação alguma. Nego essa idéia do seguinte ponto: mesmo que pensemos que a obra de arte não é feita para o público, mas é por vontade espontânea do artista, é errado colocar que ela não é comunicativa pelo simples fato de ela ter-se materializado. Se um artista faz uma obra, é porque a julga com algum tipo de conteúdo digno de ser exposto a algum interlocutor, e assim o fazendo, sela o ciclo comunicativo que Deleuze nega.

Vendo ainda por outro ponto de vista, colocar que não há informação numa obra é selar o destino da arte como um todo a um nada. Se não há informação numa obra, o que são as descrições dos críticos de arte, e às vezes do próprio artista? A arte está baseada num código, mesmo que esse seja o idioleto do artista. E esse código semioticamente já se expõe como comunicativo, bastando que se sele a tríade "objeto-signo-interpretante". É meramente uma grande duma masturbação mental querer negar esses pontos tão evidentes.

E para tentar justificar a bobagem colocada anteriormente, o trecho seguinte fala o que é a resistência que Deleuze havia falado. E segue mais um silogismo, com um interessante adendo, que é a mania pós-moderna de colocar a "(des)construção" como a opção intelectualmente mais avançada (até o ponto de colocarem num livro de design contemporâneo um artigo mediocremente escrito que tratava justamente disso: a (des)construção da imagem. Só não entendi muito bem onde, pois o autor falou apenas de sua carreira). E talvez seja esse um dos problemas da arte contemporânea: ela é pouco propositiva, e por demais descontrutiva (sem os parênteses). Assim, somando isso com textos críticos como o aqui apresentado, sinto muito, mas a única coisa que vai conseguir mesmo é incompreensão...

Correção: Ao que me parece, falar bobagem não parte apenas de críticos de arte... Esse post fala de um texto crítico que não é um texto crítico, mas uma das obras da artista-base do post, Alice Shintani (ver, por favor, os comentários). Bom... O erro foi FEIO e ESDRÚXULO, e peço desculpas. Entendam então como um paralelo para o que eu quis dizer, ou mesmo como uma análise da obra "Texto-Crítico".

...inovando no design...

2009-07-31T14:46:00.000-07:00

Pode parecer deslocado, mas o Digerindo Arte apoia a iniciativa de seus amigos, ainda mais quando são interessantes. Não vou me delongar demais, aqui vai o link para onde interessa. O nome da iniciativa? Bem, simples: Design Simples.

Para uma breve esplicação sobre o que é o projeto todo, podem acessar o post do estudio-cinco.

Apenas uma pequena pincelada: Design Simples é um portal de Inovação em Design, onde se divulgam trabalhos invadores de estudantes, além de informações relevantes a quem deseja ter algum incentivo nessa prática tão escassa no Brasil, que é a inovação.

Desejo boa sorte a essa iniciativa, e aqui vai minha contribuição momentânea para que mais gente conheça o projeto.

...fazendo mundos...

2009-07-28T05:57:00.000-07:00

Finalmente aqui comentarei algumas coisas da bienal de veneza desse ano.

A work of art is more than an object, more than a commodity. It represents a vision of the world, and if taken seriously must be seen as a way of “making a world”. A few signs marked on paper, a barely touched canvas, or a vast installation can amount to different ways of world-making - Daniel Birnbaum _curador da 53a Bienal de Veneza

Tendo como tema geral "making worlds / bantin duniyan / 制造世界 / weltenmachen / construire des mondes/fazer mundos", o texto do curador se mostra bastante explicativo (e inclusive essa sucessão de nomes em diversas línguas). E é até interessante se pensar numa mostra mundial, onde cada país chega com seu próprio mundo de artistas, e cada artista com seu próprio idioleto, tentar criar um todo do panorama artístico seria impossível.

O que nega esse fato é um: o mundo se faz com pessoas diferentes. Cada pessoa é seu mundo, e possui sua maneira (mais ou menos eficiente) de fazer parte dele, mas todas fazem, todas deixam algo, e assim todos "fazem mundos". E no plural, pois é nos outros que as pessoas constróem seus mundos: numa conversa, dois mundos se misturam, numa bostagem de blog, mais mundos se misturam, se fazem (e se faria melhor se meus leitores deixassem comentários... mas...). E na Bienal, são os artistas que falam com o público. E esse cria seus diálogos próprios com as obras, e entre elas também, fazendo relações entre elas, aprimorando seu próprio mundo.

Num dos mundos que se apresentam, encontramos a artista Lygia Pape (1927 - 2004). Cria para o espectador uma instalação visual onde, através de fachos de linhas ligadas a pontos no teto e no chão, apresenta colunas de luz, nos expõe um modo diferente de perceber o espaço, ilusoriamente, geometrizando-o, e sublimando-o com um claro equilíbrio formal e luminoso. Ao escurecer a sala, aumenta essa sensação de imersão, assim como a escala admitida pela obra. O nome da obra é "Ttéia", que remete a teia, mas com certa brasilidade (tetéia seria algo bonito, gracioso). Ligações que se efetivam entre mundos, planos opostos, e que necessariamente produzem um efeito, que positivo, quer negativo. A ligação de mundos não são nunca estéreis, mas sempre deixam a marca de uma possibilidade, ou de uma necessidade.

Outro artista que trabalhou com relações e construções espaciais foi o argentino Tomas Saraceno. Criou essas especies de globos de linhas, gerando planos exagonais, cantos triangulaes, tensões em todas as direções, que aparentam expansão . Se pode andar por entre esses grandes globos, que sustentam uns aos outros, cada um com seu próprio núcleo, mas que não permaneceria erguido não fossem. São galáxias, e as galáxias reais também interagem entre si, se consomem, consomem outras galáxias, leis gravitacionais universais as aproximam, ou não, e um nem número de acontecimentos físicos influenciam o complexo geral do universo. O mesmo paralelo de tudo isso existe entre as pessoas, quer no plano econômico, quer no plano relacional, afetivo, emocional, cultural, natural, etc.

Não é necessário me delongar nessas relações que se apresentam, o leitor já certamente percebe que não são obras aleatórias, e que a metáfora que se apresenta ao observador é algo que torna a obra com um sentido completo, que atribui a significação necessária para que faça sentido em si.

Outra artista que trabalha o tema de relações, mas para um plano mais negativo, é Raquel Paiewonsky. Sua obra para a exposição cria seres mutantes, com um conceito bastante forte. Remete-me a hibridações irracionais que o meio social pode nos levar a cair. Exageradas modificações corporais para adequar-se a padrões, ou mesmo se pensarmos em personalidades, a integridade de caráter não necessariamente é algo que se vê claro nas pessoas, que tendem a criar braços diversos para lidar com cada pessoa, ou personalidades bizarras que variam conforme o local onde estão (ou meio, como demonstra as relações que se criam na internet)... E cada mutante criado pela artista espelham esse modo diferente que podemos atuar: essa é a palavra correta, a vida num grande palco, onde as pessoas se apresentam nos mais variados figurinos e personagens, mas sem saber realmente qual é a da pessoa que está próxima dela. Criam mundos particulares, onde nele podem ser o que são, mas que na interação com outros mundos, assumem uma atmosfera que não a sua realmente (para mais fotos das obras da artista, aqui vai um link).

Enfim. Encerro aqui esse post. Recomendo que os leitores interessados dêem uma olhada em duas fontes muito boas para mais sobre a Bienal: Designboom e o Flickr.

...o fim da vida...

2009-07-13T09:36:00.000-07:00

O post sobre a Bienal de Veneza será o próximo. Gostaria de colocar aqui brevemente algumas considerações sobre o estupendo conto de Leon Tolstói "A morte de Ivan Ilitch". Considerada por alguns como uma de suas melhores obras, mesmo contendo singelas 85 páginas quando comparada com as magistrais mais de 1200 páginas de "Guerra e Paz", nessa pequena história, Tolstói conseguiu o máximo da consisão e expressão da vida de um homem de seu período, até seu agoniante fim, que invariavelmente toca e marca profundamente o leitor. Não colocarei aqui um resumo da história, mas irei diretamente à análise.

Ivan Ilitch é um burguês comum, e claramente pode ser tido como um homem comum, como cada um de nós, e isso pelos seus problemas, e o modo como os trata: em geral, a fuga.

Quando começa a ter problemas com sua esposa, procura sua fuga no trabalho; quando está de férias e entediado, procura uma fuga na busca por novo emprego; quando doente e com dores, procura a fuga na crítica aos demais. Sua mulher não faz diferente: desde o início, foge da realidade, e "atua" diante da morte de seu marido, quando já não mais se importava realmente com isso; quando o marido doente não melhora, da mesma maneira foge da responsabilidade de esposa, jogando a culpa nele por "não tomar os medicamentos nos horários certos". Os doutores fogem da verdade atrás de termos médicos e suposições que sabiam errôneas. E todos fogem da realidade de serem homens, escondendo-se atrás da máscara do dinheiro e da ostentação.

No final do texto, essas máscaras irritam Ivan, ele não mais suporta as "mentiras". No entanto, é evidente o motivo por não as aturar: defronte com sua morte, enxerga nessas fugas a sua vida inteira. Vê em sua mulher o que fez a vida toda. Fugir da realidade. Fugir dos outros, se esconder da verdade.

É bastante comovente, no entanto, como retorna a ela: conversa com sua consciência, tenta enganá-la dizendo de sua boa vida, mas acaba sucumbindo à verdade; enxerga no mujique Guerássin um homem bom e verdadeiro; vê em seu filho à beira da sua cama, chorando, o verdadeiro amor familiar, coisa que não vira até o momento, nem em seu (conveniente) casamento. Enfim, vê a verdade.

Solzhenitsyn, em seu também estupendo romance "Pavilhão de Cancerosos" percebe isso em Tolstói, quando do diálogo de dois de seus personagens, Rusanov e Efrem, a respeito de um dos livros de Toltói:

-¡Esas son pavadas! -dijo Rusanov, haciendo silbar la "s" de indignación-. ¿No podría cambiar el disco? Se huele a un kilómetro que ésa no es la moral nuestra. Y por lo demás, en su libraco ¿qué es lo que hace vivir a la gente, pues?

Efrem había parado de narrar y había vuelto sus ojos hinchados hacia su interlocutor calvo. Se sentía despechado de que el calvo hubiese asestado un golpe tan certero En el libro estaba escito que lo que hace vivir a los hombres no es el egoísmo, sino el amor al prójimo. El viejo quisquilloso había dicho: "El hombre vive de causas comunes". Era aproximadamente lo mismo.

-¿Lo que lo hace vivir?... Ni siquiera se atrevía Efrem a pronunciar la palabra en voz alta. Era casi inconveniente-. Pues bien, el amor, como dice él. ..

A verdade e o amor são inseparáveis, pois não há nada mais sublime na existência do homem que a caridade, nada que o faça mais grandioso diante de si do que amar aos demais. Da mesma maneira, não há nada que satisfaça mais ao homem que a verdade. Dois pontos fundamentais à felicidade, e é isso que Ivan Ilitch encontra ao final de sua vida: amor, verdade e felicidade.

Aqui, um link para outro comentário sobre o texto: link.

...bienal italiana...

2009-06-05T10:38:00.000-07:00

Começa domingo a 53a Bienal de Veneza, o mais importante evento de arte do planeta, maior inclusive que a Documenta. Comentarei algumas obras que encontrar na internet depois da abertura (não, não poderei ir a veneza...). Por enquanto, um breve comentário sobre os artistas que teremos por lá.

Da nossa parte, além da Lygia Pape, que comentarei em outro momento (não conheço ainda muito do trabalho dela, me demandará alguns momentos de estudo), teremos uma instalação do já conhecido Cildo Meireles (comentei dele nesse post).

Artista do grupo de 70, tem uma forte atuação conceitual, com conjunto de obras mundialmente famosas, como "Inserções em circuito ideológico" que insere em materiais de circulação massiva (papel moeda, garrafas de vazilhame, etc) conceitos ideológicos, frases provocativas, exortações nacionalistas, ou qualquer coisa do tipo. Embora hoje não aparente grande coisa, essas obras fazem maior sentido quando contextualizadas: foram feitas em plena e alta ditadura, onde a liberdade de expressão era inexistente. Assim, faz sentido carimbar numa nota de cruzado: "Quem matou Herzog?". É a arte no seu mais forte sentido político.

...the way thing go...

2009-05-25T16:21:00.000-07:00

Dêem uma boa olhada nesse vídeo, e se puderem comprar o original, eu recomendo. Abaixo, comentário.

Embora apenas um trecho, já é bastante elucidativo do que deve ser o restante. Tive a oportunidade de ver o filme inteiro numa aula de história da arte na faculdade.

Os artistas são Peter Fischli and David Weiss, e a obra data de 1987. O interessante é que, mesmo sendo bastante conceitual, a obra tende a agradar a todos, mesmo aqueles que não procuram por seu sentido.

O que vejo nele é o desencadear de fatos, ações, "the way thing go" (nome da obra), apresentando uma metáfora bastante coerente com o dia a dia do homem. Uma sucessão de fatos aparentemente aleatórios, que na verdade vêm em parte desencadeados por acontecimentos precedentes, e que determinam até certo ponto o leque de possibilidades que vêm a acontecer (não questiono aqui a existência do livre arbitrio, mas aponto que a vida não é um arrebanhado de possibilidades equivalentes, mas na inclusão de umas e exclusão de outras a cada momento. Se estou em São Paulo agora, dificilmente poderei estar na França nas próximas horas. Isso já muda se optar por estar no aeroporto. Mas por não ter passaporte, minha gama de possibilidades novamente se reduz para o mercosul. E assim por diante).

Além disso, é interessante observar o nível técnico da obra. É uma pequena mostra de que, ao contrário do que muitos propõem, a arte contemporânea possui sim qualidades técnicas interessantes. Diferentes de épocas anteriores em alguns casos, mas ainda assim igualmente relevantes.

...espaços amplos...

2009-04-29T15:52:00.000-07:00

Um assunto que nunca abordei é arquitetura... Talvez pela minha incompetência no campo, mas não pela falta de interesse. Enfim, hoje será um teste... Como esse blog o é por sí, um grande campo de testes de bobagens que escrevo, estamos assim em casa.

O edifício que escolho para uma breve análise é o Masp da Lina Bo Bardi, construido em 1968, com um espantoso vão livre de 70 metros, tombado. A Wikipédia traz bastante informação sobre o prédio e sua história (embora eu não goste lá muito dela).

A análise que faço é na verdade baseada na análise que fez Lucrécia Ferrara no seu livro Design em Espaços. A verdade é que é a melhor análise de arquitetura que já lí sobre, em especial sobre o prédio e sua interação com o local.

É bastante claro que o prédio se difere radicalmente do restante da arquitetura da avenida Paulista. Uma avenida que representa o progresso nacional, com prédios assinados pelos mais importantes arquitetos brasileiros, que também abriga o Conjunto Nacional, o primeiro edifício modernista de grande escala nacional. E é nesse universo que o edifício de Lina se acomoda: dentro da representação brasileira dessa movimentação mundial, que foi o modernismo.

O prédio se caracteriza pelo seu grande vão horizontal, os já comentados 70 metros. Esse grande vão cria a característica magna do prédio, que é a horizontalidade: um edifício de poucos andares, uma parte subterrânea, com uma área de vivência perfeitamente apropriada pela população, tanto como ponto de encontro, como ponto de manifestação. Essa horizontalidade conversa de modo grandioso com o próprio ambiente ao redor do prédio e a arquitetura da avenida: enquanto a maioria dos prédios apresentam sua imponência pela verticalidade, o MASP se apresenta na horizontalidade, servindo de contraponto à monotonia dos demais. Ao mesmo tempo, a verticalidade dos prédios os apresenta como estacas, postes, ou qualquer coisa fincada no chão. Novamente, o contraponto do prédio é esse espaço completo aberto que Lina coloca: uma janela para o que está atrás dele, criando um respiro na grande parede que é um quarteirão da Paulista. O prédio é o antagonismo do paradigma de edifício urbano, e talvez por isso contenha um significado extremamente forte: ser um edifício cultural se apresenta tanto pelo conteúdo quanto pelo seu projeto arquitetônico, que o contrapõe aos outros edifícios empresariais do coração econômico do país.

Aqui, link para o site do MASP.

...cor e realidade...

2009-03-24T08:30:00.001-07:00

A postagem passada foi a de número 60... Nem percebi para fazer algum tipo de comemoração ou coisa que o valha... Tudo bem, vamos esperar pela centésima.

Voltando às artes plásticas, me deparei hoje com a obra de uma artista bastante instigante em parte de suas obras, e bastante poética em outra parte. Chama-se Tatiana Blass. Essa divisão arbitrária de minha parte vem a coincidir em outro ponto: a parte instigante corresponde a intalações e esculturas, a parte poética a pinturas, e tentarei apresentar as duas nesse post, mas farei diferente hoje: gostei tanto do seu trabalho que colocarei mais imagens no final (além do link para seu site) além das que decidir comentar.

As telas de Tatiana Blass são bastante interessantes quanto ao uso da cor, e da possível figuração dentro de uma abstração bastante geométrica. O trabalho ao lado chama-se "Paisagem-estampa", 2004, e chama a atenção pelo colorido usado pela artista para sua construção. Em conjunto com o nome, podemos claramente localizar a paisagem nominada pela artista, com um fundo de arvores, arbustos, uma leve névoa, com a parte inferior remetendo a algum tipo de chão, pode ser cimentado, pode ser um lago noturno, etc. A combinação cromática está perfeitamente equilibrada, com a massa cinzenta inferior e suas manchas escuras contrapondo as 5 variações de verde presentes na parte superior. As massas também com essa leve geometrização bastante orgânica ajuda nesse sentimento de natureza encontrado no nome que a artista dá a sua tela.

Neste outro trabalho, já do seu lado instigante, "Globo da Morte" de 2008, chama a atenção pelo movimento que o simples deslocamento de parte da moto invoca, e essa continuidade de tubulações douradas trabalhando como um spectro da aceleração do veículo, embora estranhamente a parte posterior tenha ficado parada. O Globo da Morte é aquela esfera de arames com um grande diâmetro onde motociclistas aceleram suas motos até que fiquem girando em qualquer sentido (vertical, horizontal), desafiando a gravidade com as propriedades da própria física a que esta faz parte. O paralelo desse tipo de apresentação com a obra está justamente na posição do fronte da moto, subindo pela parede, acelerando e quebrando com a mais básica lei da realidade. O encurvamento das tubulações dialogam com as pinturas da artista quanto a sua organicidade.

Outros trabalhos da artista podem ser vistos em seu site, mas tive o trabalho de recortar alguns bastante interessantes para que o leitor possa fruir deles agora mesmo.

1. Cauda (móveis), 2005

2. Zona branca (Lustre), 2007

3. Páreo, 2006 - Escadaria do Paço das Artes, Cidade Universitária

...o fim da arte...

2009-03-17T03:26:00.000-07:00

No começo desse ano, comprei uma revista que me trouxe um artigo curioso. Intitulava-se "O fim da arte", e eu pensei "Poxa! Mais um?". Esse, na essência é igual a todos (ou quase todos, já que para Arthur Danto, o fim da arte é a simplesmente a arte contemporânea, o que para ele é muito bom), mas bate em outras teclas. O artigo é de Roger Kimball, crítico de arte, e sua tadução de Cristian Clemente, licenciado em Letras pela USP.

Um dos pontos onde Kimball bate insistentemente a tecla é na ausência da beleza na arte de hoje, bem como a importância da religião para a arte como um todo, e que sua falta traz consequências (olha o novo português aí, gente!) graves, e uma delas eu concordo, que seria o endeusamento do artista, que acaba superior aos demais, e junto disso desproporcionalidades, como as centenas de milhões que Damian Hirst ganhou em seu último leilão (Kimball pelo jeito o detesta, eu até que gosto, há o que se pensar em sua obra, mas certamente não vale tudo isso).

Ok, compreendo o que escreve Kimball, mas não posso concordar. Primeiro porque a beleza não é apenas visual (prometo estudar essa parte mais a fundo, mas se não me engano, na concepção clássica de beleza há três pontos que se deve levar em consideração, os quais não me recordo agora). Encontramos beleza, por exemplo, na literatura, ou na música. E onde estaria o problema de a arte lançar mão de conceitos para fazer artes plásticas? Indo mais longe, podemos afirmar com bom grau de certeza que uma arte sem conceito é vazia, pura superficialidade que mal pode ser chamada de arte, por mais apurada que seja a técnica do artista.

E esse é um ponto interessante. Em geral, as pessoas procuram ver na arte a realidade a que estão acostumadas. Ortega y Gasset, em seu fabuloso livro A desumanização da Arte, nos coloca justamente isso: As pessoas "compreendem" a arte figurativa porque se assemelha a sua vivência cotidiana, o que é um erro. Escreve:

"Para poder deleitar-se com o retrato equestre de Carlos V, de Tiziano, é
condição ineludível que não vejamos ali Carlos V em pessoa, autêntico e vivo,
mas sim em seu lugar devemos ver apenas um retrato, uma imagem irreal, uma
ficção".

Isso permanece válido ainda hoje. A metáfora é, portanto, intrínseca à arte. Falar de algo por meio de sígnos é parte dela, e a ausência desse ponto faz com que o objeto deixe de ser arte para ser ele mesmo (aqui um leitor assíduo do blog, se é que existe, pode me questionar a respeito do Minimalismo, o qual colocava sobre si que "what you see is what you see". Falarei sobre isso num post seguinte).

Quanto à religião, Kimball mesmo parece dar uma resposta ao que escreve:

"Não existe uma arte particularmente católica,afirma Jones [David Jones, poeta
católico do século XX], tal como não existe "uma ciência hidráulica católica, um
sistema vascular católico ou um triângulo equilátero católico". (...) Auden pensava da mesma maneira:(...) Apenas o que pode haver é um espírito cristão, segundo o qual um artista ou cientista age ou não"."

A religião é um dos aspectos humanos entre outros (embora possa ser tido como um dos mais importantes, já que rege todos aspectos internos e externos do agir do homem), e o livre arbítrio do homem permite que se o leve em consideração ou não. Entretanto, os pontos essenciais do homem ainda permanecem, e todos temos o que dizer, portanto, material para realizar uma ação artística. Inclusive, a arte não religiosa é índice de uma cultura também rica, e passível de análise da sociedade e seu tempo.

Além disso, não há porque tentar reduzir tudo a dois pontos de vista, unificar todos os desejos artísticos sob os rótulos de "arte religiosa" e "arte não religiosa", já que a realidade é muito mais rica que apenas esses dois pontos, e as nuances que existem entre um extremo e outro não podem ser deixados de lado, e menos ainda forçados a permanecer por debaixo desses dois títulos.

O problema do artigo de Kimball é que ataca para todos os lados, sem apresentar exemplos palpáveis do que fala. David Sylvester, por outro lado, é bem mais claro nesse ponto. Observe o texto a seguir:

"Não se há de negar que posso atribuir ao indivíduo de cultura média as noções de
que a arte do século XX é: I)produto de indivíduos isolados que deixam de dar
expressão à consciência e aos gostos da sociedade como um todo; II)
hiperespecializada, desprovida da amplitude e da complexidade do que veio antes,
propensa a sacrificar importantes atributos da arte para poder desenvolver
obsessões tacanhas até níveis extremos; III) por demais preocupada, em sua
autoconsciência, com questões de estilo e com a obtençãod e originalidade. Tudo
isso vem ao caso, e o que se pode dizer a respeito é o seguinte: em primeiro
lugar, a arte do nosso tempo pode não ser muito boa se comparada com o
supra-sumo, mas foram suas próprias limitações que a fizeram dar uma
contribuição singular para o corpus da arte (e isso é assumir que a
singularidade é uma qualidade necessariamente valiosa); em segundo lugar, as
limitações da nossa arte refletem certas fraquezas da nossa sociedade, e, se a
nossa sociedade fosse diferente, nossa arte poderia ser melhor. (...) Se dizem
que o último Rothko não é um quadro tão bom quanto um Monet, isso não é uma
condenação de Rothko, mas uma definição de arte"."

A contribuição nesse trecho que Sylvester nos fornece é muito maior do que a do artigo completo de Kimball. O próprio Papa João Paulo II escreveu em sua carta aos artístas: "...a História da Arte não é apenas uma história de obras, mas também de homens", e se poderia escrever que a própria História da Arte é a História dos Homens, e merece ser contada.

...ainda não...

2009-03-16T08:55:00.000-07:00

Queria ter escrito sobre esse filme a mais tempo, na verdade, pois já o perdi um pouco na minha fraca memória.

O último filme da carreira de Akira Kurosawa, "Madadayo". É realmente brilhante, e um belo fecho de carreira! O filme trata de um professor e escritor e de seus últimos 17 anos de vida, que celebra seu aniversário numa espécie de ritual de pré-passagem para a outra vida: seus antigos alunos o perguntam "já está pronto?" (Maddha Kai?"), no que ele responde após beber um grande copo de cerveja "Madadayo!" ("ainda não!").

Entre os aniversários, o filme apresenta o desenrolar desses últimos anos, o amor e veneração de seus alunos por ele, o amor entre ele e sua mulher, o apego a um gato (que poderia durar menos tempo no filme...), passando por momentos engraçados (como se livrar de ladrões), comoventes (o discurso do aluno jovem no início do filme) e encantadores (as cenas finais). É um filme bastante longo, que como a vida do professor, insiste em não chegar ao fim, ainda bem, pois nos surpreende pela riqueza a todo momento...

Aqui, uma resenha do filme por Roger Ebert, e um site em homenagem ao diretor.

...som na esquina 2...

2009-03-16T08:15:00.000-07:00

Porque se chamava moço
Também se chamava estrada
Viagem de ventania
Nem lembra se olhou pra trás
Ao primeiro passo, asso, asso
Asso, asso, asso, asso, asso, asso
Porque se chamavam homens
Também se chamavam sonhos
E sonhos não envelhecem
Em meio a tantos gases lacrimogênios
Ficam calmos, calmos
Calmos, calmos, calmos...
E lá se vai mais um dia...

E basta contar compasso
E basta contar consigo
Que a chama não tem pavio
De tudo se faz canção
E o coração na curva
De um rio, rio, rio, rio, rio
E lá se vai...
Mais um dia...

E o rio de asfalto e gente
Entorna pelas ladeiras
Entope o meio-fio
Esquina mais de um milhão
Quero ver então a gente, gente
Gente, gente, gente, gente, gente
E lá se vai

Continuando a postagem anterior sobre o Clube da Esquina, transcrevo aqui a letra da música do vídeo, de Lô Borges, Clube da Esquina 2. Não faz parte do primoroso album abaixo comentado, mas é a versão letrada da música de mesmo nome. Também de extremo valor artístico.

Quando comecei a ouvir o disco, sabia da existência dessa versão, mas não quis ouvir, pois para mim a perfeição daquela música instrumental era tal que qualquer letra a rebaixaria, mas, depois de mais de 2 anos, isso se mostrou o contrário: a letra está no mesmo nível da primeira versão.

E o sentido nela é tão forte que para mim se mostra numa temática diferente da anterior: enquanto aquela, como comentei, representa o conceito basilar de felicidade, esta se mostra como a concisão do desenrolar da vida. Extraordinário!

Logo nas primeiras palavras, já encontramos essa grandiosidade: "Porque se chamava moço/ Também se chamava estrada/ Viagem de ventania". A juventude como caminho, como trecho da vida que se volta para certos pontos. E não como uma brisa, que areja, que esclarece, mas como uma ventania, que por ser mais forte, arrasta e transforma o lugar por onde passa. Movimenta o redor e quebra a inércia da estagnação.

"Porque se chamavam homens/ Também se chamavam sonhos/ E sonhos não envelhecem": a imaginação, como ouvi certa vez numa palestra, é a imagem em movimento, e o sonho é justamente a apropriação desse imaginar em prol de um ideal, inconsumível (E basta contar compasso/ E basta contar consigo/ Que a chama não tem pavio), portanto, requisito primário para a mudança, qualquer que seja. Sonhos levam a ações, e bons sonhos em ação são as ditas ventanias. Bagunçam com mais de uma vida, reorganizam as metas de mai de uma pessoa (E o rio de asfalto e gente/ Entorna pelas ladeiras/ Entope o meio-fio).

Aqui, link para o site oficial do Lô Borges e para seu MySpace.

Só acrecentaria uma coisa na música, mas que na verdade poderia ser suprimida, já que óbvia:

"E lá se vai.../ Mais um dia..." feliz...

ps.: depois de escrever esse post, estava tomando banho um dia de manhã e percebi que a música pode ter certa conotação política tbm, já que escrita em 1978, em plena ditadura. Há alguns trechos que se fazem mais claros nesse contexto, como "Em meio a tantos gases lacrimogênios/Ficam calmos, calmos", e o trecho seguinte "E lá se vai.../Mais um dia..." deixa de ser alegre para ser pouco mais ressentido, como um dia perdido, e que não houve mudança alguma. Para uma interpretação do período, acho muito boa a letra, mas minha análise acaba tornando-se mais atemporal, contemporanizada, acredito que sem fazer a música perder muito de si. Num sei, impressões minhas... Digam depois o que acham.

...som na esquina...

2009-03-10T10:26:00.001-07:00

Mais um post musical. Não, não estou perdendo as raízes, na verdade, voltando a elas, já que a idéia era falar não só de artes plásticas.
Clube da Esquina é para mim o melhor disco brasileiro de todos os tempos. Sem dúvida alguma. Fui apresentado a ele pelo Gabriel Garbulho (aquele do post Voz como instrumento, mais abaixo), e fiquei ouvindo-o diariamente por mais de 6 meses, ate que meu estágio não mo permitiu mais.

Mas cada vez que ele toca, é algo magnânimo. Nas próprias palavras do Gabriel, "é um disco indigesto". É extremamente seco, não possui grandes devaneios instrumentais, mas apenas pontos precisos, focados numa musicalidade bem brasileira (ou para ser mais exato, mineira). A capa do disco já é de tirar o fôlego, levando-se em conta que foi a primeira aparição de Lô Borges (com apenas 17 anos!) junto de Milton Nascimento (já internacionalmente consagrado). Não há nada escrita na fronte, apenas esses dois garotos sentados na beira da estrada, esperando sabe-se lá o que, mas conscientes do mundo e daquele que os fotografava. O leve riso do pequeno contrasta com a carrancudice do maior, bem como seus tons de pele, bem como a voz de Milton Nascimento e de Lô Borges.

E de todas as músicas, apenas uma foi composta por ambos: Clube da Esquina nº2.

A 11ª de 21 faixas é a música que divide o album em dois, e é a mais bela de todo o disco, mesmo sem letra alguma (e olha que nele encontramos músicas do nível de Trem Azul e Paisagem da Janela): para mim, é o conceito e resumo do que é alegria.

Um arrastado violão em Dó no fundo,
uma leve percusão,
um claro chocalho,
e acima de todos,
duas vozes cantarolando em uníssono: Milton e seu Violão...
Nada mais...

Acima, a versão letrada da música na voz de Lô Borges.

Aqui, link para o site do Milton Nascimento, com um trecho da música.

ps.: domingo agora, dia 19 de abril, tive a enorme honra de assistir no sesc pinheiros ao show do Lô Borges especial Clube da Esquina, tocando com uma participação mais do que especial de Milton Nascimento... Não tenho palavras...

...ano novo?...

2009-03-09T12:20:00.000-07:00

Pois é... mais uma vez aquele veemente desejo de ano novo de mais posts se vai pelo ralo... (Mas devo confessar que é por estar com muitos trabalhos para fazer! E isso monetariamente me agrada, e tambem culturalmente, pois vários me fizeram crescer em alguns pontos. Usarei em breve um deles para aplicá-lo numa análise artística. Design e arte ainda caminham lado a lado, embora não mais de mãos dadas).

...assim como é...

2009-02-13T06:29:00.000-08:00

Esse é mais um daqueles posts rápidos. Como fazia um tempinho que num postava alguma coisa de música, aqui vai um excepcional clássico da música de Pat Metheny. O album inteiro vale a pena, mas essa é a que mais gosto. Chama-se April Joy (talvez seja por isso é minha favorita... Eu nasci em abril...). Nem me atrevo a comentar...

...clara afirmação...

2009-01-26T04:27:00.000-08:00

Perdi a data mais importante do ano para o blog: seu aniversário... Isso mesmo, dia 22 de janeiro o digerindo arte fez anos! Na verdade, fez "ano", já que completou um ano no ar. E com esse um ano, gostaria de postar algo sobre um artista do qual gosto muito, e que por sinal, é dos que mais ouço falar mal por aí. Trata-se de Robert Ryman.

Da história do artista, sei pouco, mas o sr. leitor pode encontrar na internet em qualquer lugar. Aqui, gostaria de falar de seus trabalhos (aparentemente, ambas coisas, vida e obra do artista, podem ser desvinculadas em certos casos. O que não pode é o período no qual produziu, pois, como diria Ortega y Gasset, "eu sou eu e minha circunstância", e isso diz respeito da mesma maneira aos objetos e sua essência signica).

A característica que mais marca sua obra, e mais causa certa aflição aos que não o compreendem, é o fato de pintar apenas com tinta branca. Anos e anos de produção artística bastante extensa, apenas com tinta branca, no máximo com certas variações dessa, ou com o fundo do suporte no qual se encontra, mas, no fundo no fundo, branco. A pintura ao lado é um exemplo disso. Uma combinação de branco puro com branco levemente acizentado, mas que mesmo assim, ninguém teria o desdém de rebaixá-lo de branco a cinza. São muitas as telas que desenvolve dessa maneira, sempre com essa temática.

Podemos encontrar certa referência na célebre obra de Malevich, "Quadrado branco sobre fundo branco", no qual, pouco após abrir seu movimento Suprematista com o quadrado "Quadrado preto sobre fundo branco", quebra novamente com o figurativismo e dessa vez também com o formalismo geométrico que ele mesmo criou, de forma a utilizar a cor em si, e sua interação com o ambiente (Moholy-Nágy diz que a variação da tonalidade dessa tela se faz pela mudança de sentido da pincelada, e consequentemente , com a incidência da luz sobre essa). Mas aqui, o problema é outro, diferente do de Ryman. No caso de Ryman, este procura através do mínimo necessário expor ao observador a complexidade inerente à pintura. Por utilizar apenas o branco, consegue mostrar-nos uma infinidade de possibilidades da tinta junto à tela, e consegue assim quebrar com a monotonia que estaria ligada à sua produção.

Mas sua produção não é simplesmente experimental dessa maneira, como um catálogo de possibilidades. Há, pelo contrário, bastante poesia em sua produção. É interessante, por exemplo, observar que o uso do branco não remete de maneira alguma à "ausência", mas justamente à "presença". A ausência seria o não ver, a inexistência, uma cegueira, onde o mundo luminoso simplesmente não está alí, como no romance "Ensaio sobre a Cegueira", de Saramago. Também na trilha sonora que Bjork fez ao filme "Dancer in the Dark", de Lars von Trier, na última faixa, "New World", canta: "If living is seen/ I'm holding my breath". As telas de Ryman, pelo contrário, são um grande suspiro, um sopro, da vivacidade de uma única cor, e justamente o branco.

O que é o branco? Na luz, o branco é a presença de todas as cores, o branco é a luz que a tudo banha, e é dele que as coisas extraem outras cores, a fim de mostrar-se-nos como são visualmente. É do branco que saem o vermelho, o verde, o azul. É do branco que origina-se o arco-íris. Vemos que a escolha dessa cor por parte do artista não é de forma alguma aleatória, nem mesmo se fez apenas pela sua limpeza, mas, pelo contrário, todo sentido implícito a essa cor é a vivacidade do mundo e da luz em si, e, porque não, da ausência dessa, como na obra ao lado, onde além do branco, encontramos o cinza, levemente azulado, que é um sussurro do branco, sua forma mais amena de expor-se.

Ryman nos apresenta um grande campo para observarmos a simplicidade das coisas em si, das mais simples, e da possibilidade de gerar-se um universo completo a partir de pequenos elementos, aos quais sempre damos muita pouca importância, mas que concentram em si todo sentido de tudo. Basta que observemos atentamente.

...o livro...

2009-01-20T05:28:00.000-08:00

Um post curto... Uma frase que encontrei no site da futura biblioteca Brasiliana USP.

"Dentre os instrumentos inventados pelo homem, o mais impressionante é sem dúvida o livro. Os demais são extensões de partes do corpo. O microscópio e o telescópio são extensões da visão; o telefone uma extensão da voz e finalmente temos o arado e a espada, ambos extensões do braço. O livro, porém é outra coisa. O livro é extensão da memória e da imaginação. " - Jorge Luis Borges, 1978

...espécies de espaços...

2009-01-07T03:27:00.000-08:00

Não, não é mais um post sobre minimalismo, mas sim sobre literatura, já que fazim um bom tempo que não escrevia nada sobre um bom livro.

O autor é o francês Georges Perec, e o livro chama-se Especies de Espacios (não temos uma versão em português, infelizmente... O ideal é ler no original em francês, pois há jogos de palavras bastante interessantes nele, mas como eu não falo/leio/escrevo/entendo francês...). Datando de 1974, o livro é uma narrativa em primeira pessoa, meio que autobiográfica, onde o autor relata experiências e impressões que possui de diversos tipos de espaços. Desde o espaço literário, passando pelo espaço da cama, para o quarto, o apartamento, o andar, o bairro, cidade, país, até o mundo, oferecendo ao leitor os mais inusitados pontos de vista, com as mais estranhas sugestões de utilização de espaços que se poderia imaginar. Aqui um exemplo:

"cuando en una habitación dada se cambia de sitio la cama, ¿se puede decir que se cambia la habitación, o qué?"

Não é das perguntas mais comuns de serem feitas, mas o que o escritor nos pede, mais do que respondê-la, é que pensemos nesses espaços comuns, pois são os espaços onde a vida acontece, onde o extraordinário ordinário se faz presente, onde de fato existimos. E esse existir muitas vezes acaba por chegar numa monotonia tremenda porque não se pensa nesses espaços, não se procura utilizá-lo de maneira diferente que aquela a que aprendemos a fazer, e que nossos pais nos ensinaram a usar, e que seus pais os ensinaram a usar, etc... Perec nos fornece motivos para questionar a organização arquitetônica de uma casa, o uso das paredes ("Podríamos escrebir en las pareder(...) pero rara vez los hacemos"), etc... Num outro exemplo primoroso da capacidade de escrita de Perec, ele nos coloca passo a passo as ações de uma mudança de residência:

"limpiar verificar probar cambiar acondicionar firmar esperar imaginar inventar invertir decidir ceder doblar curvar enfundar equipar desnudar partir enrollar volver golpear refunfuñar sombrear modelar centrar proteger entoldar amasar arrancar cortar conectar esconder soltar accionar instalar chapucear encolar romper atar pasar apilar amontonar aplanchar pulir consolidar hundir enclavijar enganchar ordenar serrar fijar clavar marcar anotar calcular medir dominar ver apear pesar con todo su peso ebadurnar apomazar pintar frotar rascar enlazar subir tropezar franquear extraviar hallar revolver tumbarse a la batrola cepillar enmasillar desguarnecer camiflar enmasillar ajustar ir y venir lustrar dejar secar admirar extrañarse exasperarse impacientarse sobreseer apreciar añadir intercalar sellar clavar atornillar fijar conser ponderse en cuclillas encaramarse enfriarse centrar acceder lavar evaluar contar sinreír sostener restar multiplicar quedarse plantado esbozar comprar adquirir recibir devolver desembalar deshacer orlar encuadrar engastar considerar soñar fijar agujerear estrenar una casa acampar profundizar alzar procurarse sentarse adosar apuntalar enjuagar desatascar completar clasificar barrer suspirar silbar mientras se trabala humedecer encapricharse arrancar fijar carteles pegar jurar insistir trazar acuchillar cepilla pintar agutejerear conectar alumbrar cebar soldar curvarse desclavar sacar punta atornillar distaese disminuir sistener agitar antes de usar afilar extasiarse rematar atrancar rascar desempolvar mniobrar pulverizar equilibrar verificar humedecer taponar vaciar triturar esbozar explicar encogerse de hombros acoplar dividir andar de aquí para allá hacer tensar cronometrar yuxtaponer acercar casar blanquear lacar volver a tapar aislar arquear prender ordenar enjalbegar fijar recomenzar intercalar extender lavar buscar entrar soplar

intalarse

habitar

vivir"

Que é essa mudança que não a própria vida, onde ações sucessivas, atuações que transformam a nossa realidade, a realidade do mundo e a realidade das pessoas que conosco vivem, e que, no fundo, bem no fundo, desemboca na simples palavra "viver", e que tantas vezes esquecemos disso? Que aqui estamos para a vida, e que nas coisas pequenas é que ela se faz, justamente naquelas que não nos atentamos, que não damos importância, tão preocupados estamos com coisas nem tão importantes assim... Não fruimos o mundo, apenas passamos por ele, e é a isso que Perec nos chama a atenção: "intalarse habitar vivir"...

Aqui, link para o início do livro no Google Books.

...universos temporais...

2009-01-06T04:26:00.001-08:00

Fazia tempo que não postava duas vezes no mesmo dia, mas como encontrei certo tempo tanto para perscrutar na internet por novidades (ao menos para mim) quanto para escrever, colocarei um dos meu achados aqui.

A artista se chama Jeanete Musatti, e a bela obra, "Tartaruga" (2005). Para mais sobre a artista em si, o texto de Ricardo Rezende é bastante bom. Aqui, escreverei apenas sobre a obra, que se mostrou bastante interessante, em especial em dois pontos: o uso dos materiais, e a semântica desses.

Quanto ao uso, é bastante bonita a interação entre a rugosudade visual do casco da tartaruga e a rugosidade tátil das pedras, a tal ponto de criar uma relação com a realidade (o animal em si) bastante interessante, já que essa rugosidade tátil também se encontra presente nas escamas de uma tartaruga de verdade. As formas das pedras, inclusive, poderiam ser originais, sem necessariamente terem sido trabalhadas pela artista, mas se sim se não, não importa.

Em relação à semântica dos materiais, o vínculo conceitual destes com o modo de trabalho da artista é bem forte. Aqui, um trecho do texto do Ricardo Rezende:

"O procedimento de constituição de arquivos, atualmente em voga na arte copntemporânea, esteve presente na obra de Jeanete Musatti desde o início de sua carreira: a arte transformada em algo como um arquivo, um pequeno museu de curiosidades, um guardado da memória e das experiências vividas plásticas, estéticas ou sensoriais"

Esse ato de arquivar, de guardar, está diretamente relacionado com a temporalidade das coisas. O tempo enquanto ator central num palco onde todos os personagens são afetados por ele, desde sua gênese à sua extinção. E os materiais escolhidos pela artista acabam por relacionar-se diretamente com esse material, o tempo. A tartaruga é conhecida por sua longa vida, longas viagens, com certo caráter de passividade, de observação, pelo seu andar lento e paciente. Um casco sozinho, sem o conteúdo vivo, realça essa idéia, pois remete-se ainda mais ao passado (e quem sabe o quanto esse "passado" pode ser?). Junto ao casco, estão os cristais de rocha, que levam anos e anos para se formarem, e trazem no seu íntimo partículas e moléculas e átomos que podem ter pertencido a qualquer coisa: outras pedras, mágma, dinossauros, um rei, uma árvore, um pássaro, ou quem sabe até mesmo uma tartaruga? Enfim, a união de ambos objetos faz crescer esse sentido de temporalidade, de sobrevivência da matéria ao tempo, fornecendo insumo para o pensar.

Para mais obras e textos sobre a artista, o site da Galeria Nara Roelser.

...formas coloridas...

2009-01-06T03:34:00.000-08:00

Ano novo vida nova? Não, a vida é a mesma, mas de fato, a mudança de ano nos possibilita repensar nossos atos de maneira a quem sabe encontrar novas proposições de atuar. Isso é algo inconciente e acontece sem que percebamos... É como, numa comparação já batida, um caderno em branco. Todo novo caderno que pegamos para começar anotações como que fazemos um propósito de organização, de letra bonita e de não escrever nele bobagens, nem arrancar suas folhas. E assim é um novo ano!

O que pensei para esse ano? Ora, ser diferente! Mas isso é para outros posts, outras histórias. Quanto ao blog, pretendo ser mais constante nele... É só ver o ultimo post de quando data... É... faz um tempo... O importante é não parar!

Uma coisa que reparei também é que de dezembro pra cá, meu número de acessos diários caiu drasticamente. De quase 30 por dia, agora são 2 ou 3, num ápice de 7. Me parece que o pessoal que acessa esse blog é constituído basicamente de estudantes, que estando de férias, páram de estudar. Eita, brasilzão, né? Mas beleza, vou continuar gerando conteúdo para eles, para que nos seus trabalhos do semestre que iniciar-se-á em fevereiro/março, continuem tendo material de referência. Agora, ao post.

Hoje, de volta à pintura, escreverei sobre uma artista brasileira chamada Gabriela Machado. Como um caminho natural, a artista começou sua pintura figurativamente, com naturezas mortas, e agora pinta de maneira abstrata (Iberê Camargo também passou por esse caminho, depois finalizando sua vida de volta à figuração, embora de maneira pouco figurativa... É, essa sua fase final merece um post só para ele... Vejamos se terei capacidade para isso algum dia...). E é essa fase que aqui se encontra.

A obra ao lado faz parte da sua série "Cascas", de 2005. A fartura de tinta e de cores é algo bastante instigante nela, contrapondo-se à grande área limpa, branca no entorno da mancha de tinta, levemente deslocada do centro físico da tela. É um quadro de grandes dimensões (220 x 196 cm), o que o torna ainda mais impressionante. E ao mesmo tempo que percebêmos a iminente abstração presente na tela, vemos certo grau de figuração ao relacionarmos o nome ao conteúdo da obra. O termo "casca" remete a algo próximo a proteção, consequentemente, vitalidade, e na tela encontramos ambos elementos presentes respectivamente na cores derivadas do marrom na base da mancha e do vermelho, na sua área superior. Enquanto na parte inferior, essa "casca" possui veios bem marcados, com cores fortes, constrastando os ocres aos marrons e aos pretos, no vermelho há uma diluição, um certo caráter homogênio que engrandece essa contraposição das áreas da pintura. O gesto da artista em ambas áreas também prestam a essa impressão de interior/exterior a que o termo "casca" nos fala. O diálogo com o nome da série "Cascas" é fundamental à fruição da obra, bem como às demais telas.

Outra série sua, a série "vermelho" acaba chegando nesse mesmo diálogo nome e obra. O mesmo vermelho que antes nos lembrava certo organismo pulsante agora se encontra espalhado, fluido embora travado, ao longo da tela. Esse paradoxo "fluxo x estagnação" é um dos pontos de maior interesse na obra, pois embora esse vermelho seja expansivo, seu contraste com o branco é bastante forte, e as áreas onde aparece a tinta falha pela sua escasses no pincel da artista tornam esse sentido de estagnação bastante proeminente e expressivo. Ao contrário da série anterior, onde havia um núcleo na tela, um ponto pulsante, nessa há um esparramado por todo o campo, que transmite certa continuidade vertical que na outra não havia, chegando a instigar o observador a imaginar suas continuações, figurativando a abstração da tela.

Para mais sobre a artista, outros trabalhos no site do canal contemporâneo.

...espaços cheios/vazios...

2008-12-09T09:32:00.000-08:00

Encerrou sábado agora, dia 06/12, a 28a Bienal de São Paulo, uma das mais controversas exposições dos últimos tempos pela abordagem dos curadores, e a decisão de deixar vazio o segundo andar inteiro do prédio projetado pelo Niemeyer.

Mas como já comentei essa parte num post passado, aqui colocarei as minhas impressões após visitar a Bienal. Visitei a tempo de ver a bela performance Maurício Ianês "A Bondade de estranhos", que também causou certos comentários por aí a fora (muitos infelizmente mais focados na sua nudez inicial do que na sua atitude completa). O artista em suas performances normalmente foca no ponto da comunicação humana, mas nessa obra também é possível encontrar certa ironia social. O artista passou 2 semanas completas apenas do que recebeu das pessoas, e apesar de em determinado momento ter passado mal e vomitado, o "saldo" do que recebeu é bastante impressionante. Basta dar uma olhada nas fotos. A ironia está na pergunta: o que faz com que um artista que não corre perigo de vida algum (ele poderia desistir a qualquer momento, e pensou em vazê-lo) receba tantas doações para sua sobrevivência enquanto diversas pessoas morrem de fome na rua? Esse ponto me chamou bastante a atenção, até mesmo pelos depoismentos de pessoas que conversavam como Maurício, que lhe confiava segredos, que choraram, etc. Essas pessoas fariam o mesmo com um morador de rua? Esse certo grau de hipocrisia (que não pode ser generalizado) aponta para certas diferenças contextuais que se fazem bastante interessante, nos fazendo perguntar o por quê disso. Será um certo grau de "humanidade" no protagonista, coisa que não aparentaria haver num morador de rua, ou o local (uma exposição de arte), ou qual será?

Outro trabalho bastante bom também foi o do Iran do Espírito Santo (já falei dele em post passado também). A obra chama-se "Buraco de Fechadura", e data de 1999. Influenciado pelo movimento minimalista, aqui o artista trabalha com a questão espacial, lançando mão de uma das características do material utilizado, a reflexibilidade, para criar a ilusão de um ambiente interno a ele. O nome "Buraco de Fechadura" é como uma ironia ao resultado da obra. De longe, ela aparenta uma fenda na parede, mas na medida que nos aproximamos, seu caráter tridimensional se revela, bem como o ambiente reflexo, que na realidade é o próprio entorno do observador. A possibilidade de exploração do "além-parede" que uma fechadura normalmente possibilitam se mostra fracassada, revelando apenas a realidade do próprio observador, apresentada de maneira distorcida, nova a ele. Ele pode apenas observar o que já conhece, apenas de forma nova.

Outros trabalhos também se mostraram interessantes, como as máquinas de escrever que apenas escreviam pontos, ou os vídeos das performances da artista Marina Abramovic, e outros vídeos que se locavam no térreo da exposição. Outros trabalhos se mostraram simplórios, superficiais, por demais datados e auto-referentes, que não me pareceram relevantes o suficiente pro contexto, mesmo que pensados para ele. É o caso do trabalho da Valeska Soares (artista também já comentada aqui, embora daquela vez ela tivesse feito um trabalho bastante melhor), que colocou próximo à entrada da exposição um amontoado de letras em papel, todas sobre um grande tapete representando a capa do catálogo da primeira Bienal de São Paulo. A artista pegou o parágrafo introdutório do catálogo, pegou suas letras, as embaralhou e amontoou por sobre ele, como se estas estivessem "fugindo" dele, para uma nova avaliação do que seria essa bienal, uma nova leitura a ser feita. De fato, é essa a proposta da bienal em si, uma releitura do formato bienal, etc., mas a obra em si não possui força, chegando a ser literal demais, sem um elemento "surpresa", apenas uma figuração do conceito dos curadores. E é nesse ponto que peca. Fora que, a meu ver, esses trabalhos "encomendados", que não partem do artista diretamente, mas são feitos sobre certo pedido, são sempre inferiores se comparados à produção inerente ao próprio artista. Enfim, essa é uma visão que poderia ser discutida, trata-se apenas de uma impressão que tive.

Há outros trabalhos bastante bons, mas como o post já se prolonga, gostaria apenas de terminar comentando a exposição em si. Esse vazio colocado no meio da exposição, funcionando como uma quebra, pois o visitante vem de um andar com obras e ao passar para outro, não possui nada, só podendo encontrar mais no terceiro andar. Ou seja, esse andar foi passagem obrigatória. Eu aceito a idéia por detrás dele, mas não a justificativa "espacial" apresentada pela curadora, de observar o espaço projetado por Niemeyer no seu estado puro, a luz entrando no prédio etc. Essa é uma tentativa falha de conceitualização sobre algo, ou mesmo de justificar esse algo, e muito forçada. Se o vazio é o ponto de apoio, que seja ele, não chamemos a atenção para o espaço. Vazio é vazio, e a metáfora se fez muito bem, não precisando de mais explicações. E assim como essa explicação, grande parte da exposição também se mostrou precária. Descuidos de montagem, de locais usados, de pensamento expositivo, improvisos, falta de acabamento, etc. dominaram essa bienal. E esse descuido também causou uma péssima impressão naqueles que já não entendem o "linguajar" da arte contemporânea, afastando-os mais ainda de tentarem entendê-la.

No entanto, o saldo ainda me parece positivo. Quem não foi, perdeu. Quem foi e estagnou na questão do espaço inutilizado, também (e não na questão que ele explora). Assim como aqueles que pararam no nudismo do artista, ou no acabamento medíocre da exposição. No resto, valeu a pena. Torçamos apenas para uma melhor organização daqui a dois anos, para que esses pontos se solucionem.

...minimalismo e design minimalista...

2008-11-19T03:28:00.000-08:00

Pronto. Deixo aqui o PDF final da minha pesquisa sobre arte e design minimalista. Devo confessar que não está totalmente acessível, pois envolve alguns pontos de análise semiótica, artistas específicos, movimentos do design que são necessários certo envolvimento, etc. Mas, de qualquer maneira, achei o resultado razoavelmente satisfatório, e por isso o disponibilizo por aqui.

Estou bastante feliz inclusive pois o conteúdo sobre esse tema em terras brasilis é ínfima. Mesmo fora daqui, design minimalista é um assunto meio nebuloso, cheio de preconceitos e senso comum. Boa leitura (caso a paciência o permita...).

Link para o PDF.

...imagem temporal...

2008-11-05T07:35:00.000-08:00

Esse será por certo um post que foge do conteúdo habitual... Não vou dizer que não falarei de arte, pois o vejo como tal. Mas será algo mais pessoal, que me impeliu a escrever... Trata-se de algo que me tocou quando vi uma imagem e que me fez pensar e rever algumas coisas. Aqui está ela (espero não ser processado pelo autor...)

Não é uma pintura, nem uma gravura, nem um desenho à mão de genero algum, nem mesmo uma fotografia, mas uma imagem 3D (fora esse paradoxo nominal, é isso mesmo). O leitor pode se perguntar o motivo dessa imagem, e ñão qualquer outra coisa de arte contemporânea. Bom, como disse antes, isso me obrigou a escrever, não tive escolha... A imagem por si fala bastante já, mas o texto acompanhante acrescenta algo a ela:

"When i was little guy, i usually went on my vacations to one small city called Itobi (São Paulo – Brazil) with 8.000 habitants, in my aunt´s house.

After 9 years, i come back this one to enjoyed a weekend, and then i has a nice idea!
In the truth, i was thinking about my life, how fast the time passes, and how long the things changes, then i decided to make this work."

Impressionante, não? O que essa imagem mais me tocou é quanto a essa poesia absoluta de correspondência entre seu conteúdo e sua descrição. A sutileza é algo que a torna ainda maior. O autor, Pedro Conti (o leitor atencioso vai perceber que é ele também o dono das fotos da performance dos irmãos guimarães logo abaixo), da mesma maneira que eu fui impelido a escrever sobre essa imagem, foi também impelido a fazê-la. Como que uma necessidade. As imagens que possuimos da nossa infância, adolescência, ou qualquer das fases, são algo de muito forte e precioso, pois fazem parte da nossa inscrição na realidade, da nossa atuação no tempo e espaço, por menores que tenham sido. E que forma melhor de perpetuar esses traços que não nossa própria impressão a respeito deles? Uma fotografia pode dizer muita coisa. Pode alocar no tempo o ocorrido, pode precisar as pessoas presentes, ou qualquer outro fator visual naquele momento, mas ainda assim, seu fator subjetivo 'e reduzido se comparado com uma produção manual e pessoal, vinda da alma, e não dos sentidos, não do racional. E é justamente isso que me chamou a atenção nessa imagem e me incomodou: o que eu faço para perpetuar de maneira íntegra os sentimentos e emoções dos momentos marcantes da minha vida? e o leitor?

Sobre a imagem em si, há muitos os pontos que descrevem esse momento pessoal que tornam extremamente viva a vivência a que o autor nos quis passar: a bicicleta ao canto da casa, pequeníssimas aves ao fundo do céu, uma pequena pipa sobrevoando e tudo observando, e o mais forte de tudo, dois pés de chinelo estirados no chão, a formar um gol, característica fortíssima da capacidade criativa das crianças, e uma bola mucha, mas que isso tanto faz... Mucha ou cheia, o resultado é o mesmo... Diversão.

O modo como essa sensação foi exposta foi algo sublime. De tal forma que, como eu disse, eu TIVE que escrever... E aqui está.

...entendendo o vazio...

2008-10-30T04:45:00.000-07:00

Depois de postar nada, falar sobre nada pode fazer sentido, não? Parece uma questão importante ressaltar onde se deseja chegar com a bienal que está acontecendo nesse momento e essa "proposta do vazio". Para começar, um pequeno texto que abre também a explicação do evento no próprio site da 28 bienal de arte de são paulo.

"Por sua própria definição, a Bienal deveria cumprir duas tarefas principais: colocar a arte moderna do Brasil não em simples confronto, mas em vivo contato com a arte do mundo, ao mesmo tempo em que, para São Paulo, se buscaria conquistar a posição de centro artístico mundial. "
[Lourival Gomes Machado, “Apresentação”. in: I Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo, 1951, p. 14].

A exposição ficou conhecida como "bienal do vazio", mas seu tema real é "em vivo contato", muito pertinente para a proposta que se apresenta. Um evento das proporções da bienal, com sua importância mundial (no patamar próximo às gigantes Bienal de Veneza e Documenta Kassel), tem a função de revelar o que se tem feito de mais importante no mundo da arte, expor as "tendências" mundiais, criar diálogos regionais de modos de pensar a arte, de fazê-la, de entendê-la, e o que se faz na 28 bienal é justamente não só pensar essa produção contemporânea, mas pensar o modelo de exposição "bienal" no paradigma que vem sendo estruturado. Grandes feiras, proporções gigantescas, variedade espetacular, orçamentos monumentais, etc., a bienal desse ano vai quase que na contramão disso, chegando ao ponto de deixar um andar inteiro vazio (alvo de vandalismo por parte de determinados pseudo-artistas na busca de exposição na mídia) para tornar mais forte essa questão.

"Em lugar de tentar produzir uma visão totalizante e representativa do fenômeno da arte da atualidade, o importante parece ser delinear especificidades, produzir cartografias estruturais, pondo em marcha um processo de trabalho investigativo e crítico, regular e sistemático, que acompanhe e dê conta, de modo produtivo, dos movimentos e das transformações percebidos num circuito artístico determinado." - Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen, curadores.

Que mudanças são essas de que o curador fala? O modo de fazer a bienal vem sendo o mesmo desde seu princípio, ou seja, 1951, quando o panorama artístico tanto nacional quanto internacional eram talvez coerentes com esse modo de exibição, e mesmo o pavilhão desenhado a seguir por Oscar Niemeyer também o fosse. De modo bastante grosseiro, aqui o movimento concreto era bastante forte, e a pintura dominava nosso país. Mesmo fora, ainda era ela quem reinava, embora já se encaminhasse para o que na década de 70 seria chamado de arte conceitual. No entanto, ao comparar com o que se produz hoje, vemos que a diferença é gritante. Se expandiram as fronteiras do que se entende por arte, onde ela pode chegar, mudou o modo como se ensina arte inclusive, assim como as preferências dos artistas, criaram-se novas relações, novos pensamentos foram introduzidos, visões políticas ou ideológicas, etc... A variedade hoje é tamanha que mapear de forma completa o panorama artístico mundial é uma tarefa no mínimo ingrata, mais precisamente, impossível. Sem falar que o papel do curador mudou, onde é ele que traça, pensa e interpreta a realidade e a arte ao montar "sua" exposição, com algo o que falar, uma história a contar, com coisas que ele vê como relevantes. Há ainda pouco tempo, eram as representações internacionais que enviavam seus artistas, mas a partir da última, a figura do curador "tomou o poder" para si, e esse já é um debate bastante inflamado que está acontecendo...

Esse post foi mais para expor certas idéias do que está acontecendo com essa bienal, e recomendo, para que se entenda melhor ainda esse panorama de que falamos, que se vejam os vídeos no site da 28 bienal com os debates ocorridos antes do início da bienal (são os quadradinhos azuis nos meses de jun/out).

Aqui, Raul Mourão coloca a entrevista do curador Ivo Mesquita à revista Bravo!.

Aqui, um link para várias entrevistas feitas em 2007 sobre essa proposta dos curadores.

E para finalizar, um link para uma entrevista ao estadão, com ambos curadores.

...post vazio para a bienal do vazio...

2008-10-22T09:34:00.000-07:00

...micro contos...

2008-10-21T03:09:00.000-07:00

A mostra do Sesc acabou, mas deixou muita gente satisfeita com o que mostrou.
Uma das obras, a que coloquei o link num dos primeiros posts sobre a mostra, foi a do conto no celular, chamada Literatura Celular. Se inscrevia o celular no site do Sesc e se recebia diariamente 3 micro contos de diversos autores. O intuito seria introduzir pequenos momentos literários inusitados na vida das pessoas. Chega a ser interessante microcontos no celular de um país onde a média de livros lidos por ano é menor que 1. Colocarei a seguir alguns contos. Não todos, pois meu celular estava ajustado para apagar mensagens mais velhas que 5 dias. E infelizmente, percebi isso tarde...

MOSTRA SESC DE ARTES 08:

_Amor deles agua de barrela: ele gostava do Rimbaud; ela do Rambo - Evandro Affonso Ferreira

_VENTRILOCO - Quem ta falando, eu ou voce? - Fernanda Siqueira

_SEREIA - Chegou na cela. Por que olha para esse copo d agua? O velho disse: 15 anos e nao sei. Chega agora e quer saber? - Ferrez

_PEDRA NO PESCOCO - kd vc agora? virei oceano sem adeus nem volta
tudo foi amor :,(
:,(
não era onda - Flavio Viegas Amoreira

_50 ANOS - De hoje em diante so faco o que quero. E cedo pra isso, disse minha mae, que nunca se deu ao luxo. - Ivana Arruda Leite

_PARTO - No lixao, a mendiga forca o bebe pra fora:Se tu entala, te faco voltar pra barriga, fio-da-puta - Joao Silverio Trevisan

_Mae, Alice me bateu. Nao liga, essa boneca e muto ignorante. - Livia Garcia-Roza

_O enfermeiro estava no elevador com o cadaver na maca.Acabou a luz. Ele acendeu um cigarro e ofereceu ao morto. - Marcelo R. Paiva

_O FOSSIL DE SILVIO SANTOS - Os dentes nao estavam mais la. Mas ele continuava sorrindo. - Mario Bortolotto

_A NOITE - sentou-se (quando parecia flutuar) e levantou-se (quando parecia cair): sempre a mesma insonia - Mauricio de Almeida

_Palavra ou magica?So uma opcao. Escolheu. Errado:nao era palavra. Mas o escritor sempre opta pela palavra. - Moacyr Scliar

_Tocou o sax antes de puxar a corda no pescoco. No espelho, o bilhete: aqui jazz. - Raimundo Carrero

_Essa tatuagem vai dorer? So no divorcio. - Reinaldo Martins

_QUEDA LIVRE - Maria Alice esqueceu a janela aberta. E sua atinha Wendy voou para a Terra do Nunca. - Sergio Roveri

ps.: adicionado em 06/05/09 - Por causa de um celular roubado perdi todos os microcontos que estavam na memória... Ainda bem que guardei alguns aqui...

...respiração mais...

2008-10-13T04:43:00.000-07:00

A abrangência dessa mostra do Sesc é muito boa. Estão na mostra instalações, peças, músicas, concertos, intervenções, etc., e, a que comentarei agora, performances.

Performances são como que atos artísticos, numa mistura entre teatro e arte conceitual, o artista executa uma série de ações com o intuito de transmitir certa idéia, ou falar de determinado assunto. Na história da arte, temos muitos artistas performáticos famosos, como Marina Abramovic, ou Joseph Beuys, entre outros. No Brasil, encontramos os Irmãos Guimarães, que participaram dessa mostra sesc de 2008. Já participaram da Bienal de São Paulo com uma instalação, e em exposições internacionais. Na mostra, apresentaram a performance Respiração +.

A obra que apresentaram na mostra é constituida de dois aquários, um ao lado do outro, cheios de água, numa altura de 1,50 do chão. No momento em que inicia a performance, dois artistas vestidos de terno e gravata entram nos dois aquários e ao sinal de uma campainha acionada por um terceiro artista, ambos submergem. Novamente o sinal é acionado, e um deles se ergue e começa a declamar um longo texto a respeito da respiração, como no trecho a seguir:

"A respiração é um ato obrigatório mas involuntário e inconsciente, e não se toma conhecimento. A respiração tem como função: uma, levar oxigênio ao sangue a fim de alimentar todas as células do organismo. A segunda é expelir o gás carbônico. O gás carbônico não pode permanecer no organismo. Caso isso aconteça, haverá intoxicação (...)".

No entanto, o texto não é recitado inteiro, pois cada vez que o terceiro artista toca a campainha, o ator que está falando submerge, e o que estava na água emerge para falar seu texto. O primeiro intervalo entre as campainhas é de 5 segundos. O segundo é de 7 segundos. O terceiro de 10 segundos, e assim por diante. A velocidade com que falam não permite que respirem profundamente, nem mesmo o tempo que têm para tomar fôlego antes de novamente submergir, o que torna assistir a essa performance algo bastante agoniante. Esse ritual dura aproximadamente 20 minutos, o que torna os intervalos finais extremamente longos, a ponto de os artistas não resistirem e terem que subir para respirar antes do toque do sinal. Mas ainda assim, eles sobem e declamam seu texto, retornando à água assim que o sinal volta a tocar.

Impressiona bastante a performance no seu todo, pois ao final é possível observar a exaustão dos dois artistas. No entanto, o modo como os Irmãos Guimarães trabalham é de forma bastante teatral, não sendo possível saber se esse cansaço faz parte ou não do atuar.

É interessante as diversas interpretações que se podem ter dessa obra. Uma delas leva em conta a disposição do cenário. Os aquários, um ao lado do outro, são como que os pulmões, e ao centro, onde fica o artista com a campainha, o cérebro ou sistema nervoso central, controlador do corpo, tanto dos movimentos voluntários quanto involuntários. No princípio, tudo é controlável, tudo obedece, mas quando se caminha para situações extremas, se perde o controle, não se resiste até o fim da campainha, não importanto o quanto que a mente mande, o organismo acaba mais forte. Haverá quem diga que isso é para os fracos, e que nas artes orientais há um autocontrole em que o desejo da mente supera todo o corpo. A isso aponto então as roupas que os artistas usavam: terno e gravata, vestimenta característica do povo ocidental, onde esse auto-domínio não impera, ou pelo menos não é tão forte.

E esse texto evocado pelos artistas também remetem a esse universo ocidental, onde o conhecimento científico permeia as ações do homem desde o renascimento, onde começou a ser mais fortemente desenvolvido o método científico. É no entanto de se questionar a importância desse tipo de saber num momento desesperador como esse: que importa as características do processo respiratório num momento em que me afogo? Que ajuda me dá conhecer isso se o que eo preciso é respirar? Chega mesmo a atrapalhar, pois falar impede uma profunda tomada de fôlego, coisa que o instinto cuidaria com muita propriedade por si só.

Aqui, link para o página da mostra sobre os artistas. As fotos desse post são do Pedro Conti.

...intervenção sonora...

2008-10-10T10:18:00.000-07:00

Aqui vai uma pequena mostra do poder dessa Mostra Sesc.

É o trabalho do artista Luke Jerram, inglês. Chama-se Play me, I'm yours (Toque-me, Sou teu). Trata-se da inserção de sete pianos pela cidade, em lugares inusitados, onde o pedestre está simplesmente convidado a sentar e tocar. Qualquer um.

É um trabalho belíssimo! A possibilidade de ouvir a monstruosos desconhecidos, que temos certeza de serem como nós, trabalhadores, que ao passarem, distribuem a quem quiser ouvir um pouco de seu oculto talento. Os ouvintes não vão ao encontro da música, mas são capturados por ela enquanto caminham, são fisgados pela orelha, puxados, e ficam observando absortos a um desconhecido que os maravilha com sua habilidade. E não são pessoas selecionadas que assistem, mas trabalhadores, executivos, moradores de rua, todo tipo de homem, de toda classe, profissão e crença.

Interações sociais ocasionadas por um simples objeto inserido num contexto que não o seu. A quebra da rotina, tema dessa mostra do sesc, é o que causa essas novas interaçoes entre as pessoas. Qualquer coisa que fuja do normal sempre resultam naquela olhada para a pessoa do lado, com cara de espanto. Tanto uma vaca de cerâmica na avenida Paulista, quanto uma iluminação inusitada, também um colete salva vidas numa estátua em pleno centro de São Paulo, e um piano no largo do pinheiros. É simplesmente mágico.

Antes de encerrar com o link, colocarei aqui alguns posts do site do projeto Play me, I'm yours.

"Saio do metro depois de mais um dia, ou melhor, uma noite na sala de aula com meus alunos. E ainda dentro da estação saindo pelo corredor ouço os primeiros acordes, me aproximo, o sujeito engravatado que sentava ao piano é Antonio, tocou várias, a qual arrisquei cantarolar, um outro que se aproxima de mim é Alexandre, conversamos um pouco, Antonio vai embora ficamos eu Alexandre e uma moradora de rua, Alexandre arrisca mais uns acordes, fechamos o piano temerozos do que poderá acontecer com ele, e seguimos conversando para nossas casas.

No outro dia eis que estavamos todos lá, Antonio, Alexandre, Eu, a moradora de rua, e o Piano...
Por favor deixem ele ficar...." - Augusto

"Saída do metrô Santa Cecília ... Um piano ... Uma criança cega, junto com a mãe, brinca nas teclas, e a luz da música brilha em seus olhinhos ..." - Patrícia

"Quando fomos instalar o piano na Santa Cecília, aconteceu o inusitado: Eis que do nada , aparece um sujeito barbudo entre vários mendigos. "Sai da frente que agora eu vou tocar..." Isso depois de várias performances dos mesmos. Após abrirem o espaço. A figura inusitada, recém chegada das fábulas do "Senhor dos anéis" senta no banco e inicia: " Salve o Corintians....." tocou direitinho todo o hino, e arriscou uns acordes no final....." - Marcelo

E aqui, o link.

...mostra sesc de artes 08...

2008-10-10T03:07:00.000-07:00

Todos os blogs que eu frequento estão fracos de assunto nas últimas duas semanas... Diferente deste, que com o início da Mostra Sesc de Artes 08 teria assunto para quase que um ano inteiro de postagens quinzenais. A mostra começou dia 08 de outubro e vai até dia 18 de outubro, com diversos trabalhos nas mais diversas mídias e extensões por todas as unidades do sesc na cidade. Visitarei algumas obras, e depois posto aqui algo sobre elas. Por enquanto, deixo o texto de apresentação do encarte da mostra:
"pausas, deslocamentos, contemplações. Desejos que se traduzem nas ações artísticas que ocuparão as unidades do SESC SP no período de 08 a 18 de outubro. Partindo da inquietação presente no cotidiano da cidade, ou da rotina quase sempre eufórica de seus habitantes, a atual edição da MOSTRA SESC DE ARTES busca criar pausas poéticas e instantes de ruptura para o público, transbordando suas intervenções artísticas para a aescala urbana ao redor.

A produção artística contemporânea - nas linguagens de artes visuais, artemídia, dança e teatro - permeia a amostra buscando provocar os sentidos e aguçar percepções. São cerca de 80 projetos, de artistas nacionais e internacionais, apresentados em 15 unidades do sesc na capital e grande São Paulo.

Não se espante se, ao caminhar por uma unidade do sesc ou por seus arredores, você se deparar com bailarinos em paredes, prosas em elevadores ou, mais adiante, orquestras em semáforos: assim multiplicados os cenários de fruição, multiplicam-se os olhares e as esculturas - função primordial da arte".

Para não passar esse post em branco, deixo aqui um link para uma das obras. Eu, pelo menos, já "faço parte" dela... Ao seu fim, postarei aqui tudo que recebi dela.
Aqui, outro link para o site do próprio SESC.

...minimas notas...

2008-09-29T04:41:00.000-07:00

Se há algo fascinante no mundo das artes, é justamente a capacidade de interação entre suas diversas "modalidades". É interessantíssimo como o expressionismo de Munch influenciou a arquitetura de Taut, ou como o concretismo remecheu-se também pelo campo da poesia. Há diversas "trocas" de cultura que aconteceram e acontecem por aí.

E é mais fascinante ainda numa pesquisa por determinado estilo, se o encontre nas demais artes, como aconteceu comigo e o minimalismo. Por pesquisar apenas nas artes plásticas, acabei por encontrá-lo na literatura, no design, na arquitetura, na poesia, e, mais impressionante ainda, na música.

No minimalismo, uma das suas características era a padronização das formas, repetição serial de objetos industriais, clareza comunicacional, etc. Na música encontramos elementos semelhantes, como a execução infindável de padrões de acordes, sem grandes malabarismos escalísticos, mas apenas o básico, podendo variar o andamento, como Carl Andre variava o número de elementos repetidos. Podem variar os instrumentos também, assim como se pode variar o material de uma estrutura primária, e assim vai.

Um dos expoentes da música minimalista é Philip Glass. Há diversas peças dele bastante interessantes, e algumas até famosas. Mas gostaria de chamar a atenção para duas em especial. uma delas chama-se "Islands", do album "Glassworks". Abaixo, a música. Aperte o play e veja como as coisas acontecem.

Discover Philip Glass;Philip Glass Ensemble!

Aqui, encontramos as mesmas características listadas acima. Há um padrão crescente de notas, que se repetem, variando o acorde sobre os quais se realizam. Sobre esses padrões encontramos um violino cantando longas e suaves notas, condizentes com os acordes sobre os quais estão inseridos. Em determinado momento, soma-se um violino, depois outro instrumento, mas sem nunca perder o principio do todo, que é a repetição, pouca variação, monotonia.

Discover Philip Glass Ensemble;Michael Reisman!

Aqui vai outro exemplo do mesmo artista. Chama-se "Einstein on the Beach/ act.I", da ópera "Einstein on the Beach". É uma música bastante longa, e interessante. Aqui, Philip Glass lanca mão de uma repetição quase que eletrônica, com um andamento às vezes muito acelerado, e instumentos variados. Começa pequeno, mas logo se acrescem ao conjunto vozes humanas, uma flauta, cantando sobre a base repetitiva, que ecoa da mesma maneira que na música anterior, sempre a mesma durante a música toda.

Já nessa, o que chama a atenção é justamente as vozes que cantam. Nelas, as palavras são as próprias notas, como podemos ver no trecho 3:45, onde a voz pronuncia literalmente "lá, si, lá, si, lá, si...", ou seja, a voz é a própria nota, assim como a palavra é a nota. Não há sentido explícito por parte do artista: as notas são o que elas são, uma depois da outra. Certamente, sobre essa música, o artista Frank Stella diria "what your hear is what you hear" (o que você ouve é o que você ouve). No entanto, há algo a mais na música que nos remete a outro universo. Conforme ouvimos as vozes cantando as notas, necessariamente as ligamos a palavras. Mentalizamos verbos, substantivos, adjetivos, ou qualquer outra classe de palavra se repetindo, repetindo e dizendo coisas, como quando ouvimos a máquina de lavar na sua monotonia também dizendo algo. No trecho que ouço agora, ouço a frase cheia de sentido "Não sei sentar, não sei sentar, não sei sentar...". É claro que é um absurdo, pois não se diz nada do tipo! Mas é o mesmo absurdo que se tentar encontrar um sentido literal numa obra abstrata... São ilusões que nossa mente nos prega. Nada mais que isso.

...materialidade povera...

2008-09-10T07:00:00.000-07:00

A Arte Povera foi um dos movimentos artísticos mais fortes e subversivos no pós-II guerra, em especial na Itália, país onde surgiu. De caráter revolucionário, lança mão de materiais encontrados, em estado de decomposição ou passivel de tal, naturais, vivos, encontrados no lixo, etc. Ou seja, tudo que até então não era convencional como material artístico. O ideal de retirar o objeto arte do circuito mercadológico que havia dominado, e pensar a arte fora de um sistema dominador, levaram os artistas ao uso desse tipo de material. A imagem deixa de fazer parte do trabalho, que torna-se sempre tridimensional e temporal. O modo cru como se expõem os trabalhos, bem como seu modo de feitura tornam-no extremamente literal, embora não frio, já que seus objetos todos fazem parte de certa forma a um cotidiano pessoal, seja ao se usar animais, objetos simples, ou construções apodrecidas.

O contexto era de uma Itália destruída pela guerra, onde as prioridades de recontrução era todas menos o meio artístico. Assim, os artistas optam por essa abordagem de materiais, bem como no questionamento do que seria arte, do mercado de arte, da apropriação destas por parte do sistema global, etc., ao ponto de se negarem como artistas, de negarem o objeto artístico como tal.

Um dos artístas chaves desse movimento foi Jannis Kounellis. Uma de suas mais famosas instalações foi o alocamento de vários cavalos vivos numa sala. Seu trabalhos caminham por uma gama de materiais bastante característicos do movimento Povera, o tempo é um dos materiais mais impressionantes do qual faz uso.

O trabalho ao lado, por exemplo, pode ser entendido, como uma metáfora desse material, o tempo. Trata-se de uma instalação feita de dois armários dependurados por cordas, e uma janela anexada à parede ao fundo. Um armário é um lugar onde se guardam objetos, roupas, quinquilharia, ou qualquer coisa que não interessa no momento, mas talvez no futuro. Pode ser tanto uma mobília íntima quanto pública. O içamento remete a diversas ações (enforcamento, distanciamento, pêndulo, etc.), mas no caso, parece mais relacionar-se ao simples afastamento do contexto usual do objeto, afinal, um armário amarrado e dependurado acaba é inútil, tornando-se como que um caixão para o que estiver dentro, perpetuando seu conteúdo, deslocado da materialidade terrêna, num campo quase etéreo, elevado. A janela ao fundo torna-se um sinal de temporalidade, de ver as coisas passarem, uma conexão do interior com o exterior, embora não interativa, porque fechada. A aparência de todos objetos são de rejeitos, discartados, encontrados e apropriados pelo artista para uma nova relação de sentidos, num novo contexto de significação.

Para mais sobre o artista, um link da Tate Modern, e um livro sobre o artista no Google Books.

...agrupamento minimo...

2008-08-25T09:42:00.000-07:00

Continuando a coleção de posts sobre artistas minimalistas e pós-minimalistas, hoje encontrei algo bastante interessante. Essa obra, Stack, 1975, é do artista Tony Cragg, normalmente alocado no grupo dos pós-minimalistas. E aqui podemos encontrar um exemplo da influência de Rauschenberg nesse movimento.

Já sabemos que uma das características do movimento é a tentativa de universalização da forma através de formas puras, básicas, como o é o cubo, a esfera, o cilindro (formas já apontadas por cezanne como constituintes de todas as outras do mundo). E outro elemento característico do minimalismo é a apropriação de materiais industriais na construção de suas obras. Nesse trabalho encontramos ambas as características de certa forma, mas ao mesmo tempo encontramos outra, mais pertencente ao pós-minimalismo, que é o conceito por trás da obra. Podemos observar que a forma é de um cubo, que sua construção está de tal forma juntada que a gestalt geral do conjunto é algo que chama a tenção pela paradoxal uniformidade de texturas, de formas internas e de paleta cromática. Essa diversidade de materiais provém justamente dos objetos coletados pelo artista para a montagem da obra: são todos objetos ready-mades da construção. São blocos, cimento, madeira, etc., ou seja, materiais que constituem o mundo, que são a presença do ordenamento do homem na terra, do ordenamento do espaço, tão estudado pelos minimalistas. É essa característca de apropriação e de conversa com a interferência do homem no meio que aproximam os trabalhos de tony Cragg, de Iran do Espírito Santo e de Damian Ortega. Ambos trabalham com esse mesmo tema, seja pelos materiais, seja pela ferramenta, seja pela ação.
Outra característica compositiva da obra é o modo como Cragg faz para organizar seus materiais: os coloca todos horizontais, mantendo o equilíbrio com a altura da escultura (2m).
Para mais trabalhos do artista, visite o site da Tate Modern.

...formas mínimas...

2008-08-14T11:46:00.001-07:00

Voltando à arte contemporânea, em especial ao minimalismo, mais especificamente no Brasil, tratemos do famoso Iran do Espírito Santo. O artista representou nosso país ano passado na Bienal de Veneza, e continua expondo mundo afora. Seu trabalho se calca bastante na percepção dos espaços, mais especificamente, em objetos e situações ordinárias, mas muitas vezes com metáforas bastante sutis e bem pensadas.

Copo d'Agua, 2006, é uma de suas obras mais famosas. O que se observa é a distorção visual que um objeto simples causa, um objeto cotidiano, ordinário, imperceptível senão num contexto como de uma exposição. E justamente é esse contexto que nos permite perceber sua beleza. A transparência imaculada, a simetria absoluta, a ausência de qualquer ruído visual, a sombra projetada com um foco brilhante próximo à base, o molde da realidade de acordo com suas

próprias regras, a limpeza de forma, a serenidade da inexistência de movimento, e finalmente a simplicidade absoluta contida nele são alguns dos elementos visuais aos quais estamos expostos diariamente, e nem percebemos. Não há como passar desapercebido de obra tão paradoxalmente grande.

Lembra até mesmo o famoso trecho da música do Gilberto Gil, cantada por Chico Buarque, Copo Vazio, que diz:

"É sempre bom lembrar
Que um copo vazio
Está cheio de ar."

Tudo é ocupado por algo, preenchido, seja por matéria, seja por sentidos, significados, relações, ambos os casos modificando o atuar do homem no mundo. Uma forte ideologia trabalha sobre o homem tanto quanto uma pancada num galho de árvore. O mundo físico e o mundo subjetivo são faces de uma mesma moeda, sempre juntos, funcionando ao "acaso", influenciando-se mutuamente e propondo infinitas possibilidades de ação, ou ausência de.

Outro belíssimo trabalho do artista é Sem Título, de 2004. Uma "rodela" de uma parede, um deslocamento material de uma situação tão sólida quanto uma casa, que ao mesmo tempo mostra-se frágil na forma de círculo, impondo certa tensão estática, já que qualquer mínimo toque o faria movimentar-se impreterivelmente. Expõe a estrutura básica construtiva do meio (o tijolo), e contrapões sua forma paralelepípeda ao recorde cilíndrico onde se encontra. Se fica a imaginar o local de onde foi tirado, o espaço aberto criado, e o modo como se o fez. Novamente o objeto é cotidiano, presente na vida de absolutamente todos, delocado de seu meio natural para que se ganhe vida por si só, por suas características visuais e compositivas. Mesmo o aspecto rude do tijolo consegue contrastar com a elementariedade de sua estrutura primária, bem como com a perfeição do recorte limiar do círculo, e de seu entorno imaculado, a sala da galeria.

Coloco aqui três links: um para seu espaço no site da Galeria Fortes Vilaça, outro para um texto em inglês sobre o artista, e um último para mais fotos de outra exposição do artista.

...abstracionismo...

2008-08-01T11:52:00.000-07:00

Hoje deu uma vontade de voltar um pouco no tempo... Resolvi deixar pra lá um pouco a arte contemporânea e falar de um ícone do movimento moderno que viria a mudar o destino todo das artes plásticas. Não é bem uma pessoa, nem um movimento, mas uma tendência, e falo do abstracionismo. Arte não-figurativa é um enigma pra muita gente, e muitas vezes é preciso certa orientação para entendê-la.

O pai da pintura abstrata é Wassily Kansdisnky. Em 1910, fez sua primeira aquarela abstrata, representada ao lado. No entanto, seu desejo de a fazer veio de certo tempo antes, quando começou a vislumbrar que uma obra não necessariamente teria que ser figurativa (representar certa figura exterior) para ser uma obra. Dizia que toda pintura é um equilíbrio de abstração e realismo, no sentido de ter que abstrair a essência do objeto para aproximar-se ao seu conteúdo real. A arte não-figurativa para ele nasce do maior uso desse elemento "abstração" do que do realismo, esse por sua vez apresentando-se de forma "concentrada" na tela, sem deixar de existir. Mais à frente, Doesburg diria que todo quadro é abstrato, pois para se desenhar ou pintar uma vaca, abstrai-se sua essência, afinal, o quadro não é a vaca, mas representação desta. E diria que a obra não-figurativa por excelência é a arte geométrica (comentada em post anterior sobre Mondrian). Konrad Fidler escreveu certa vez que "(...)qualquer obra e arte só se justifica quando é necessária para representar qualquer coisa que não pode ser representada de nenhuma outra maneira". A pintura abstrata informal é justamente isso: expressar um movimento interior (de um sentimento qualquer) que não há outro modo de o definir.

Foram muitas as vertentes abstratas, mas uma das que mais admiram os espectadores (ou causam indignação em alguns casos) é a busca pelo traço infantil. O trabalho ao lado, do artista israelense Lea Nikel, Untitled, é um dos exemplos. O próprio Kandisnky e outro artista, Paul Klee, empenharam-se numa pesquisa profunda sobre o desenho infantil. Diziam que o ato de desenhar mais natural, onde há a verdadeira expressão interior, sem a ânsia por impressionar os outros, apenas de exteriorizar certo impulso interior de interpretar algo, é o desenho infantil e dos loucos. A criança desenha uma cadeira com pernas tortas, ou desproporcional, mas para ela, aquilo é uma cadeira. Se contenta com o que fez porque é daquela maneira que ela a entende. Diversos artistas tentaram retornar à essa fase, como na pintura ao lado, ou na aquarela acima. A cor é tratada intuitivamente, os traços são espontâneos, os erros não existem, a composição é empírica, é tudo feito no momento. E a arte abstrata informal por vezes tenta justamente apropriar-se desse modo de fazer, desse modo de pensar, para expressar-se de forma verdadeira, não convencional, instantânea e à livre interpretação.

...realidade cinematográfica...

2008-07-22T14:18:00.000-07:00

Esse será meu primeiro post sobre cinema. E talvez seja o último, porque não costumo ver muitos filmes (em torno de 1.5/mês... Uma média deplorável!).

"Sonhos Com Shanghai ", do diretor Wang Xiaoshuai, é um belo filme de fato. Exibido na mostra de cinema contemporâneo chinês do Centro Cultural São Paulo, é daqueles que impressiona e arrepia até o último fio de cabelo. Aqueles que esperam golpes marciais, ou surrealidades, esqueça. É um filme da vida real.

E é simplesmente isso que ele é. Construído numa história forte, dramática, agoniante, leva o espectador a pensar na vida cotidiana, nos pequenos atos que levam a outros pequenos atos, que ocasionam outros, os quais por sua vez, mudam uma vida. Impressionante, simplesmente. Ao término do filme, não se sabe o que dizer. O coração pesa, almeja por descarregar-se, mas não há o que falar. E, talvez sendo esse o maior mérito do filme, não há quem culpar. Essa é que é a verdade. Na vida não há culpados. Não há carrascos. O que há são justamente pequenos atos que levam a outros pequenos atos, que por sua vez desbocam em acontecimentos extraordinários (para bem ou para mal). E todos experimentam isso todo dia, a cada momento. Justamente essa inculpabilidade é que faz do pós-filme um verdadeiro sofrimento de indecisão e uma obra de arte de altíssima qualidade.

Aqui, link para a sinópse do filme.

...a voz como instrumento...

2008-07-13T05:24:00.000-07:00

Este post foi um amigo meu, Gabriel Garbulho, que escreveu a meu pedido. Deleitem-se!

“Que coisa mais estranha é ver toda uma espécie, bilhões de pessoas, ouvindo padrões tonais sem sentido, brincando com eles, absortas, arrebatadas durante boa parte do seu tempo pelo que chamam de música”

(Oliver Sacks)

"Quando o Eduardo me pediu um artigo sobre “A voz como instrumento”, foi inevitável para haver uma maior familiaridade com o tema, que primeiro expusesse a música de forma a poder ser racionalizada como a arte em geral, ficando mais próximo do mundo dos leitores do Digerindo Arte. Agora sem mais expicações.

Apesar do caráter científico da pesquisa de Oliver Sacks (ele é neurologista), esta frase de início vem embebida de uma visão poética e esclarecedora. A música é a forma mais livre e direta de arte, pois só requer ao espectador a sua faculdade física básica para apreciação: o ouvido. Enquanto as artes plásticas (em especial após o modernismo) trabalham essencialmente com o intelecto e as referências, o som, por si só, diz a que veio.

Não ignoro que as referências culturais e a própria história pessoal acabam por pender para um ou outro estilo e diferentes apreciações, mas fato é que ouvimos o que instiga diretamente a nossa emoção. E é a intangibilidade emocional, o invisível preenchedor a pauta do dia.

A música instrumental é a pura essência do que foi comentado acima. Ela não está embutida de um texto, uma mensagem que utilize o entendimento literário, sendo os padrões tonais o alfabeto, e a harmonia responsável pelas orações. O grande trunfo de um bom instrumentista é criar sinestesias dentro dessa gramática, fazer o som ter tato, trazer imagens por mais que sejam abstratas, refletir sensações involuntárias. O sabor de um grande instrumentista é transparecer sua energia sem aparecer, o seu toque e o instrumento reverberam essa aura no teatro (um ótimo lugar para entender do que eu falo) ou mesmo em um estádio ou na sala da sua casa.

A voz por princípio é um instrumento, embora no meio musical isto nem sempre tenha seu devido reconhecimento. “Cantar é mover o dom do fundo de uma paixão, seduzir”, definiu Djavan em sua música, que é exatamente o dever de todo e qualquer instrumentista.

A voz tem todo o poder do corpo. Cantar é mover o dom por todo o aparelho respiratório, é modular com a língua e os dentes, é dar volume, controlar o peso. Também se espalha pelos membros que gesticulam, pelo rosto que se contrai, e tudo isso modifica e dá propriedade ao som, mesmo que não vejamos a imagem de quem canta. O cantor tem o instrumento mais completo e o mais emocional.

Estava com o Eduardo no carro e ambos ficamos absortos (parafraseando Oliver Sacks) ao ouvir o primeiro tema do LP “Minas”, cantado por Milton Nascimento. Não havia letra, não havia mensagem, havia uma aura se espalhando por um falsete que evocava imagens, no meu caso nostálgicas, mas de um passado divino, como uma sacralização das coisas simples. Um choro puro, vindo de um interior longínquo, um batismo de toada.

A voz enquanto instrumento evoca o abstracionismo de um action painting: marca consigo o gesto, dentro da delimitação da tela (assim como o campo harmônico o faz com os improvisos). Um bom exemplo e também próximo da realidade da música popular é The Great Gig in the Sky, faixa da obra-prima "The Dark Side of the Moon" do Pink Floyd. O solo vocal é cortante, entra em um momento ápice, e imprime toda a potência da canção negra. Uma mulher transloucada quer ocupar todos os espaços como água quando entra no copo, perde a estribeira e transborda em poder. Seu solo é mais aterrador do que qualquer camada de guitarra gravada pelo também monumental David Gilmour, traz um corpo em ebulição que é mais capaz do que a distorção no instrumento. É impossível manter-se alheio a um grito de desespero.

Existem exemplos mais racionais como Ella Fitzgerald, embora a graça do seu improviso esteja no quebrar de suas métricas e no charme de seu timbre. O corpo ali é também elemento ativo e portanto há essência.

Termino este artigo lembrando Gal Costa quando dizia que Cássia Eller era perfeita porque soava como um instrumento: sendo um solo vocal ou uma melodia acompanhada de poesia, o grande vocalista é aquele que o faz por todos os poros. Não é uma questão de interpretação mas de incorporação, que vai ser o resultado esperado de quando este som chegar ao ouvinte. E o quê nas artes plásticas teria paralelo à esta incorporação? Agora quem traz as respostas são vocês".

Gabriel Santos Garbulho – 13/07/2008

...plano linear...

2008-07-08T08:44:00.000-07:00

Aprendemos no colegial que um ponto é uma cordenada no espaço, e que uma linha é um conjunto de pontos. Toda essa teoria torna-se prática no trabalho de Edith Derdyk, artista que trabalha com linhas de costura como material de suas obras.

Uma breve passagem pela biografia da artista demonstra uma forte inclinação ao desenho. Os trabalhos aqui apresentados são como que a materialização literal de um desenho, onde o traço torna-se linha, tensionada e reta, no entanto, expressiva e flexível. Vemos na obra ao lado, Corte, 2002, uma chapa lisa e quadrada sendo erguida e suspensa por uma quantidade infindável de metros de linha, quantidade que sempre ultrapassa os milhares de metros e dias de trabalho. A tensão explícita nos barbantes negros, bem como a superfície branca a que se prendem, meio que criam um diálogo com um desenho a nakin, só que ao invéz de a folha sustentar o traço, a cor, é justamente o oposto, sendo a linha que sustenta o suporte. A linha, o traço, o rastro, é que dão sentido à existência do plano imaculado. E como impressiona o jogo de tensões a que a obra se submete e submete o observador, que teme e evita aproximar-se, com medo de algum acidente. A obra e seus sígnos aparentes acabam ditando um modo de reação a que o espectador impreterivelmente acaba por se submeter.

Em outro trabalho, Rasuras III, de 1998, encontra-se novamente a confirmação da formula geométrica colegial. Uma linha é formada por infinitos pontos, e um plano é formado por infinitas linhas. A artista objetiva o ato, rasura o espaço, criando um plano estático e mutante, que se revela diferente e estimulante a cada posição que o observador focaliza a obra. E no miolo, no núcleo do turbilhão de traços, como que se observa uma curva das linhas, enroladas, a esconder algo, propósito próprio do ato "rasurar", que tenta inutilmente esconder algo que não se quer mostrar. São vetores da tensão espacial, compostos um a um, articulados e amarrados individualmente, com a mesma importância da composição final: cada um deles mostram-se fundamentais à essência da obra.

Aqui, link para mais algumas imagens impressionantes.

...acontecimentos artísticos...

2008-07-02T12:02:00.000-07:00

Serão dois os artistas de hoje: Eduardo Srur e Brígida Baltar.

Brígida Baltar é uma artista que apresenta ao observador momentos comuns. São ocasiões cotidianas, como ações inusitadas. O trabalho ao lado chama-se A Coleta da Neblina, de 2000. Sua ação é coletar pontos de neblina, e, não só guardá-los, mas colecioná-los, uma vez que realiza essa performance desde a década de 90. A poesia está na simplicidade do ato. Ao se coletar um punhado de ar, e armazená-lo numa coleção, perpetualiza-se o momento como numa fotografia. A obra, no entanto, não encontra-se nos frascos ou nas fotos, essas são apenas índices desta. A obra é a ação da artista. A simples ação de fugir da estrada cotidiana e embrenhar-se por uma vereda paralela, mas muito mais interessante. O momento é quase que catártico, pois trata-se de um acontecimento extraordináriamente simples. Magnanimamente pequeno. E, o mais importante, ao alcance de todos.

O segundo artista é Eduardo Srur. O trabalho ao lado chama-se Sobrevivência, 2007, e muita gente deve se lembrar dele. Trata-se de uma intervenção urbana , como a maioria dos trabalhos do artista,feita no centro da cidade de São Paulo que de forma inusitada apresenta ao transeunte uma visão surreal e cômica, inesperada no contexto urbano, ou em qualquer outro. Estátuas fundidas, com figuras altivas, gloriosas, com coletes salva vidas no pescoço.

A mensagem é bastante clara, talvez por ser divertida. Deixa de tal forma o observador inquieto e atordoado que o força a pensar no evento.

Agora, porque a escolha desses dois artistas? Qual a semelhança entre eles? Como explicita o título do post, são ambos acontecimentos artísticos. Enquanto a proposta de Brígida é mais íntima, mais de ação, de transformação, a obra de Eduardo é coletiva, surpreendente, chocante, e reflexiva. Mas ambos são acontecimentos, que propõem mudança, e que só podem ser registrados por fotos ou filmagens, mas nenhum dos dois modos pode superar o modo mais antigo e fácil de armazenar fatos, que é a lembrança. A impressão que só acontece no momento em que se observa e vive o fato, que nenhuma mídia pode passar, é a idéia central de um acontecimento desses. Não sei dizer se chegam a ser happenings, mas o fato é que, por se tratarem de ações localizadas no tempo e em espaço determinado, são únicas, e pessoais.

Aqui o link para mais obras e ótimos textos de Brígida.
Aqui, link para mais trabalhos de Eduardo Srur.

...mea culpa...

2008-06-20T10:30:00.000-07:00

Mais um erro... sim, acho que a coisa está ficando feia... A leitura feita da obra de Bruce Nauman não é a melhor a se fazer. Compre um livro a duas semanas e folheando-o, vi uma imagem de um homem cuspindo água pela boca, em posição de cupido. Na legenda dizia: Bruce Nauman. Aí a coisa começou a realmente fazer sentido. E outro ponto que o autor coloca também (fico devendo o nome dele) é a relação do trabalho com um das mais icônicas e exploradas obras de arte modernista: a fonte de Duchamp.

Depois disso, tudo parece mais claro e óbvio, não? O que eu quero agora chamar a atenção é essa confusão toda: o que possibilita alguém fazer uma boa análise de um trabalho de arte? No princípio da arte modernista, bastava conhecer as características do movimento, ter bons olhos, cérebro, e pronto. No entanto, a partir de Duchamp, que chamou a atenção para uma arte mais conceitual que de retína, as coisas se complicaram. Essa obra de Duchamp só faz sentido no seu conceito original, e se não se o conhece, dificilmente ela é considerada obra de arte. E isso se desenvolveu a níveis muito grandes, onde para uma análise mais confiável, é necessário conhecer mais obras do artista, conhecer um mínimo de sua bibliografia, e muitas vezes apelar para entrevistas e escritos dele, senão não há sígnos em comum o suficiente para que se esclareça o que se quer. Um artista desses, pelo menos é como vejo, é Joseph Albers. Embora muito bom, suas performances era por demais obscuras para que se tivesse qualquer certeza sobre o que se fala. Um exemplo é uma performance que fez com um coelho morto, alguns sinais ocidentais e orientais. Em dado momento, ele se achega a uma placa de ferro e a chuta. Depois revelou que esse ato, chutar a placa, falava sobre a dura e fria jornada transiberiana. Óbvio, não?

Ouvi numa palestra certa vez um comentário a esse respeito, onde se falou que na arte contemporânea, os artistas acabaram criando "idialetos", ou seja, uma linguagem que ele e alguns compreendem, e entender um artista acaba sendo entrar no seu mundo, no seu íntimo e desvendar seu subjetivo. O foco às vezes acaba saindo da obra e passando a seu próprio criador. Esse é um dos pontos pelo qual uma bienal de são paulo é tão incômoda para a maioria das pessoas. E hoje, o que não é entendido, é rechaçado. Simples assim.

...pós-minimalismo...

2008-06-05T08:44:00.000-07:00

Devo pedir desculpas... Sim. Conheci faz pouco tempo um "novo" termo (entre aspas porque, afinal, tudo hoje em dia possui um 'pós' dele mesmo...daqui a meses, teremos os pós-blogs, pós-windows, pós-sorvete-de-limão...)... não sabia que existia o pós-minimalismo, mas de qualquer maneira, não muda muito os tópicos anteriores.

O pós-minimalismo é a apropriação das propostas estéticas e estilisticas do minimalismo, adicionando um "quê" conceitual do artista. Em geral, as obras minimalistas são, como colocado anteriormente, inserções estéticas em ambientes específicos, onde a obra é a percepção fenomenológica do observador em relação à obra. Isso em linhas bastante gerais. O pós minimalismo é a expanção desse universo, com um conceito inerente ao objeto. Exemplos de artistas pós-minimalistas: Eva Hesse (possui um post nesse blog), Richard Serra, Bruce Naumann, etc. Bem que eu desconfiava que a proposta deles acabava transgredindo o basicão do minimalismo puro...

O trabalho, Head Fountain, ao lado é do artista Bruce Naumann, e foi apresentado na Bienal de Veneza em 2007. O artista possui forte ligação com a "process art", arte do processo, onde, obviamente, o processo do fazer artístico é o fundamental, a obra de arte está na ação. Daí sua ligação com o minimalismo, primeiro movimento a chamar a atenção à "inter-ação" entre artista, obra e ambiente.

Trata-se de um trabalho bastante enigmático, de, não nego, difícil leitura. E demorou um bom tempo até eu chegar a alguma proposta de idéia do trabalho. É, no entanto, um trabalho presencial, já que multi-sensorial (em especial visual e auditivo).

A fonte, o objeto fonte, é tido como uma das primeiras formas de arte pública, e consequentemente, remete a universos públicos, com certo grau de interação de pessoas. A obra, no entanto, é composta de uma única pessoa, ou pelo menos o indício de sua presença em algum momento. Sua marca, seu rosto, sua identidade. A mascara possui uma mangueira na boca, que incessantemente, despeja água dentro de um tanque, onde há uma torneira, na qual a mangueira se liga. O movimento claramente é infinito, a água gira no mecanismo, a que cai é a mesma que logo mais sairá da torneira.

O jogo interessante no trabalho é verificar a ação total. A água sai pela boca, ou entra pela boca (já que se trata de um negativo de um rosto)? Trata-se de um interior, ou exterior? Onde é um, onde é outro? Ou melhor, é tudo questão de referencial? É tudo relativo? Qual é a verdade? De qualquer forma, a verdade está na cara: uma mascara de gesso, com uma mangueira na boca, despejando água num tanque. Alguém duvida disso? E, ligando ao fato de ser uma fonte de uma pessoa, a obra funciona como um "diálogo solitário", ou seja, uma pessoa que absorve o que "sai" apenas da própria boca. Ou isso também depende do referencial?

Para terminar, uma frase do artista: "If I was an artist and I was in the studio, then whatever I was doing in the studio must be art. At this point art became more of an activity and less of a product." - Bruce Naumann

...tal pai, tal filho...

2008-05-19T16:34:00.001-07:00

Constantin Brancusi, há quem diga, paradoxalmente, foi um minimalista. Bobagem. Seus trabalhos datam do início do século XX, contemporâneo a Rodin. No contexto em que se encontrava, é impossível o encaixar em alguma vanguarda. Não é cubista, nem expressionista, menos ainda geométrico, não é futurista, etc. Sua obra é única.

É comumente associado ao minimalismo pela sua linguagem limpa, sem adornos, sem firulas, nem qualquer coisa que ditraia o olhar do observador à forma e conteúdos básicos de seus trabalhos. No entanto, a linguagem industrial, ou a serialização, ou mesmo o diálogo da obra com o entorno, não existem em geral nos trabalhs de Brancusi. Há materiais que se aproximam mais, mas um link que poderia chamá-lo de minimalista, não.

Mas também não se pode negar que tenha sido forte influência a artistas da estética minimal, como o próprio Carl Andre afirma (este desenvolveu trabalhos que remetiam e se relacionavam com a coluna infinita de brancusi, por exemplo). Já foi postado algo sobre ele.

Esse trabalho do artista chama-se "Passaro no Espaço". Possui variações em outros materiais do mármore. A beleza do trabalho está na simplicidade da forma como brancusi representa uma ave. Não a expõe claramente ao observador, não escancara seu conteúdo, mas deixa apenas signos do que seria. Ave no espaço remete instantaneamente a vôo, a movimento, mas ao mesmo tempo, estabilidade, graça. O sígno escolhido pelo artista para expressar todas essas características é precisamente um rasgo no espaço, um traço de um momento instantâneo que uma ave cortaria determinada região, associado a leveza do próprio material que, embora seja pedra, é leve ao olhar, e liso e quase que macio ao tato visual. O olhar vai deslizando, escorregando pelo entorno do trabalho, que possui linhas bastante suaves, mas decididas.

Há um site no nome do homem, mas que servirá apenas pela sua história e livros sobre ele...

E aqui, link para post no Blog do Noblat no qual usa trecho desse post sobre Brancusi, complementando-o com um pouco da sua história.

...minimalismo tupiniquim...

2008-05-12T15:33:00.000-07:00

O título é apenas uma ironia. O Neoconcretismo não realmente é uma versão brasileira do movimento americano, mas partilha de muitos pontos. Um deles é a crítica ao positivismo na arte, defendendo a fenomenologia, dessa forma assumindo ao trabalho artístico características subjetivas tanto inerentes ao material quanto ao observador que visita a exposição.

O Neoconcretismo é a famosa briga da arte no rio contra a paulistana, onde dominavam os concretos. Picuinhas à parte, o Neoconcretismo é praticamente a primeira tendência moderna completamente brasileira, desenvolvida a partir de tendências européias.

Os pontos divergentes do minimalismo americano e do neoconcretismo é, além de outras coisas, no ponto quanto ao papel da indústria no trabalho. Enquanto os minimalistas lançavam mão dessa não só em seus materiais, mas no modo de contruílas, os neoconcretos negam a indústria e seu papel dentro de uma obra de arte, reagindo dessa forma a um dos pontos do construtivismo.

Ambos também assumem em suas obras o quesito tempo. Os construtivistas, como Naum Gabo, o fizeram introduzindo motores e movimento em suas obras. Já o minimal e o neoconcreto o fizeram introduzindo o observador no contexto da obra, sendo seu tempo de interação e de observação da obra o ponto diferencial.

A obra acima é de Hélio Oiticica, mas não encontrei seu nome. Visitem a página da sua retrospectiva que aconteceu na Tate Modern , em londres.

...bolhas ambientalóides...

2008-05-09T11:52:00.001-07:00

Não, não esqueci que iria falar de um artista português, mas é que procurando uma boa exposição para ir, achei no site do Centro Cultural Banco do Brasil uma exposição da artista Sonia Guggisberg , e pesquisando mais sobre seus trabalhos, não resisti e decidi postar algo sobre ela.

Segundo o site do próprio banco, Sonia é uma artista da década de 90, com algumas exposições importantes no curriculum, e um trabalho bastante consistente. Por meio de inserções inusitadas, interferências, e instalações, aborda um tema bastante em voga no circulo ambientalista, que é o problema da água. Não é a primeira artista a tratar dele, Cildo Meireles já o fez em seu trabalho "Elemento desaparecendo, elemento desaparecido", trabalho no qual cria sorvetes de água e os vende ou dá a quem quiser, com uma frase no palito "elemento desaparecendo", que depois de completamente consumido, se pode ler "elemento desaparecido", trabalho esse que inclusive esteve "exposto" (sé é que se pode falar assim dele...) na no itaú cultura no início de 2008.

Embora ambos tratem da água, a abordagem acaba sendo diferente. Cildo coloca-a como algo inerente ao homem, o faz consumir seu objeto de arte, que só existe por certo tempo. Ou é devorado pelo "consumidor" de arte, ou se desfaz por si só. Já Sonia, em sua série Bolhas Urbanas (2006-2007), usa-a como material parte de suas obras, que podem ser permanentes, embora mutantes. Possui um carater muito mais visual que interativo.

São como que oasis em meio à selva de concreto, isolados por finas e transparentes camadas plásticas, que permitem que de fora se veja o interior, se veja as gotas de água que se condensam na superfície interna da bolha pela evaporação, ao mesmo tempo, incitam ao toque, pois parecem moles, frios, etc, atraíndo o observador a aproximar-se, parar, reparar, afinal, são plasticamente bastante belas. Possuem uma forte vitalidade, pois remetem às estufas onde se criam plantas, ou mesmo a ambientes ideais para proliferação de seres. É um lugar deslocado, isolado, ao mesmo tempo que inserido e atuante na paisagem.

Há mais sobre a artista no Canal Contemporâneo.

...objetos expressivos...

2008-04-30T16:09:00.000-07:00

Não estou postando tanto quanto queria e deveria, mas... Vamos que vamos! Prometo no próximo post colocar algum artista português, já que Portugal tem entrado razoavelmente bastante nesse deficiente blog. Por enquanto, voltemos ao minimalismo.

Pode-se considerar Jasper Johns como um dos pais do minimalismo, junto com Robert Rauschenberg, artsta comentado em post anterior. Ambos bastante influenciados por John Cage, trabalham com um tipo de arte chamada Assemblages, que são colagens com elementos tridimensionais. Essa obra ao lado,
target with four faces, junto com a bandeira americana são as mais conhecidas obras de Johns. Sua obra influenciou fortemente a pop art, assim como o minimalismo, mas ele mesmo não fez parte de corrente artistica nenhuma.

O ponto de contato entre John e o minimalismo está como que na "dessacralização"da obra de arte. Johns cria objetos, abre mão da pintura pura, ou da escultura pura, assim como o minimalismo. No entanto, coloca em sua obra seus traços pessoais, afinal, seus alvos são pintados à mão, assim como seus elementos 3D. O minimalismo, pelo contrário, joga a execução da obra à indústria, pois querem a padronização e a serialização.

No trabalho acima efetua essa mistura de elementos, colocando juntos um alvo pintado por ele mesmo e quatro rostos de pessoas moldados em gesso. Embora há quem diga que o próprio artista disse não haver significado algum por trás do trabalho, este acaba remetendo a coisas que podem ser interpretadas e oferecer um sentido maior ao trabalho.

Na parte superior, quatro rostos. O que chama a atenção é não possuirem olhos, tornando-se rostos "assexuados", e inexpressivos. Acabam contrastando com o alvo abaixo, que por possuir os traços do artista, ganham grande expressividade, extravasando o que seria um simples alvo, onde se atiram dardos, e de certa forma, ironizando o expressionismo abstrato americano. Ironizando porque, ao trabalhar com a expressão, John a utiliza num "elemento" geométrico e frio como um alvo, algo por si inexpressivo. Mistura seu mundo subjetivo ao objetivismo convencional que se coloca num "alvo". E, o contrário do que colocava o expressionismo abstrato, onde a expressão é algo do homem e inerente a ele, John tira todo sentimento de seus rostos, tornando-os como que os próprios alvos: homens sem expressão não aparentam sofrer com as ações externas. Dardos jogados batem, prendem, furam, mas aparentemente não mundam sua condição geral, a não ser que se olhe de perto, onde marcas permanecerão indefinidamente. Assim, a verdadeira expressão humana não esta propriamente na sua exteriorização, pois exteriorizar algo subjetivo é tentar objetivar o sentimento. A verdadeira expressão está dentro do homem, e lá permanece.

Para mais sobre John, vale entrar no site do MoMA.

...profissão: estudante...

2008-04-13T14:28:00.000-07:00

Dias 5 e 6 aconteceram na Casa de Cultura de Santo Amaro uma exposição organizada por 5 alunos do curso de Artes Visuais de São Paulo. Como estudantes, um assunto certo de abordagem é a arte. A arte falando da arte. Por que assunto de abordagem certa? Ora, enqunato estudantes, eles necessitam de conhecer os "limites" da arte, seu futuro campo de atuação, questionando sua validade, e outros pontos importantes.

"!", 2007, de Bruna Kim Oshiro, é uma xilogravura bastante interessante sobre esse questionamento. A Xilogravura é um suporte, um meio de fazer, bastante interessante, mas de uma tradição pré-moderna, onde a imagem era, junto da escultura, o que se fazia nas artes visuais. Os períodos moderno e pós-modernos ampliaram essa gama de meios, agregando a imagem e a escultura as instalações, as video-artes, web-art, land art, object art, performances, etc. Desse modo, ao questionar o terreno da arte contemporanea, Bruna coloca um meio que não é mais tão comum à arte contemprânea. Um exemplo disso encontra-se no livro "Rumos", do Itaú Cultural, onde diversos críticos de arte viajam o Brasil para traçar os Rumos das artes plásticas dos jovens artistas. E o que eles classificavam como modos "avançados", e não parados no tempo, eram de estudantes performáticos e que trabalhavam com instalações, como se o campo artístico contemporãneo devesse se restringir a esses dois. Ora, o trabalho de Bruna de certa maneira brinca com esse tipo de posição. Na imagem, vemos a figura dos olhos da famosa "Monalisa", de DaVinci, quadro clássico do renascimento, adorada por todos no mundo inteiro (às vezes adorada até demais...). Os olhos da Musa se encontram numa fresta, espiando, averiguando, bisbilhotando o que se faz do outro lado, ou seja, numa sala de arte contemporãnea, como que se perguntando: "que acontece? Qual é o meu lugar nesse local? Aqui eu não sou arte", dando sentido ao nome exclamativo, num tom de espanto, frisando a pergunta que Jaime Lauriano, outro estudante, coloca abaixo do adesivo com o nome de cada obra: qual é o valor da imagem na arte contemporanea?

Há lugar? Deveria haver?

Para mais fotos da exposição, e trabalhos da estudante, acessem seu blog.

...a ordem do caos...

2008-04-08T12:38:00.000-07:00

Eva Hesse, nascida em 1936 e falecida em 70, é uma das artistas que mais mudaram e contribuiram para o panorama artístico de sua época. Com trabalhos nos mais diversos suportes, com os mais diversos materiais, sepre buscava a transgressão do que a limitava na arte e na sociedade.

Acessão II, 1967 , é um trabalho que mostra bem a força da artista. Composto de uma caixa Galvanizada, com milhares de tubos de borracha atrelados à suas paredes, é geralmente interpretado com um "quê" de feminilidade, um algo como um útero, ou algo que o valha.

Em vida, a artista nessa busca pela individualidade na obra de arte questionava os "modismos" artisticos de seu período, ou seja, o expressionismo abstrato, minimalismo e arte conceitual, em linhas gerais. Ora, Acessão II (acessão: ato ou efeito de acrescentar, de aumentar; adição, união; Dicionário Houaiss) pode ser lida de certo modo como uma reação a essas correntes, não de reprovação, mas de questionamento.

A obra é constituida de um cubo aberto na área superior, com diversos tubos plásticos penetrados em suas paredes. Do ponto de vista dos materiais, são todos industriais, como na temática minimalista. Seu exterior é organizado de maneira bastante rígida, com linhas verticais e horizintais de "cabeças" de tubos plásticos, formando uma bela textura. No entanto, ao se observar do lado de dentro, impera a desordem, peças por sobre as outras, dependuradas, tortas, pendendo, eretas, etc, parecendo mesmo um paradoxo com relação à imagem exterior. Seria como que um questionamento do que se tem por "ordem" no universo minimalista, ou aleatório no universo expressionista. Ordem exterior nem sempre implica em ordem interior. E desordem interior não necessariamente se expõe como desordem.

Essa proposição deixa uma dúvida quanto à temática minimalista. Há autores que colocam o minimalismo como continuação do movimento moderno, onde a racionalidade é a base do trabalho. Há também a vertente daqueles, como Rosalind Krauss, que propõem o contrário: a ordem exterior vem do ambiente caótico interior. A obra de Eva Hesse acaba pondo em cheque esse racionalismo minimal, e essa aleatóriedade organizada. Ainda há que se chegar a conclusões melhores sobre o assunto, afinal, é para isso que estou na pesquisa (Meu Deus! Mais pergunta em aberto!...)

Por enquanto, conheçam mais da história da artista no site da UOL em sua passada pela nossa bienal.

...paradoxo do espaço...

2008-04-03T06:44:00.000-07:00

José Spaniol, artista brasileiro nascido em 1960 e formado em 1982 pela FAAP, é um artista daqueles que sua linguagem se encontra num grupo solitário: a dela mesma. Com uma vasta gama de abordagens artísticas, com diversos materiais, escalas, etc, possui uma unidade formal/conceitual consigo mesmo, sendo difícil classificá-lo num grupo. Mas não é de classificações que a arte vive. Mas de obras de grandes artistas.

Colunas, de 2003, é um fabuloso trabalho que prefere se manter como que escondido ao invés de roubar a cena. Segundo o próprio artista, ao ser convidado para expor nessa sala, já sabia o que faria com ela: a sala possuia 6 colunas desalinhadas e aleatórias, que há muito incomodavam o artista do seu propósito de ser daquela maneira. Então resolveu fazer nela Colunas. Acrescentou mais 30 colunas à sala, tomando o cuidado de deixá-las visualmente idênticas às já exitentes na sala. O resultado é um trabalho que some. Camufla-se sem chamar a atenção a si, mas a outros elementos da própria sala.

Comparo essa obra à famosa Coluna Infinita, de Brancusi. A diferença está na ordem das palavras: não culunas infinitas, mas infinitas colunas. Diferente do gigante mastro a céu aberto, as colunas de José Spaniol se restringem a uma sala, não ligam o céu à terra, idéia do infinito, mas sustentam uma área já humanizada, e atuam no sentido de mantê-la habitável. Mantém-se no plano real e não numa tentativa espiritual. Não tenta elevar o olhar do observador ao alto, impressionando-o com algo magnânimo, mas o força a observar simplesmente o espaço, justamente pelo fato de sua "presença ausente". Um paradoxo apontado pelo artista é o de que "quanto mais colunas, mais vazio ficava o espaço", e quanto mais matéria se coloca, mais o imaterial se revela.

O trabalho chama atenção ao espaço, matéria própria dos minimalistas. O grande trunfo da obra de José Spaniol é que ele nos mostra algo já óbvio, mas que a ficha não costuma cair: o grande trabalho do espaço se faz através da arquitetura. A Arquitetura demarca o espaço te forma tão ou mais eficiente que qualquer obra minimalista produzida, pois condicionam de maneira inconsciente a vivência do homem, semelhante trabalho de Richard Serra, que em suas obras de certa forma "força" o espectador a ter uma reação inconsciente ao interagir com suas obras.

Para mais obras de José Spaniol, visite seu site.

...pesquisa espacial...

2008-04-01T09:07:00.000-07:00

Depois de um longo período sem novas postagens por conta de um serviço que consumia grande parte do meu tempo, retorno às postagens. Espero que agora mais constante que antes.

E por conta de um novo projeto que inicio agora, postarei mais constantemente sobre artistas minimalistas, já que será meu tema de pesquisa por um bom tempo. Mesmo assim, obras pré-minimalistas, pós-minimalistas, etc, serão comentadas pois participam desse universo tão rico e fascinante da minimal art.

Donald Judd é considerado um dos primeiros artistas a iniciar o movimento minilamista. Porém, ele, entre outros artistas de sua época, não se consideravam como tal. No entanto atribuir uma "classificação" a artistas não é simplesmente para separá-los num grupo e como que retirá-los do grande campo geral das artes plásticas, mas para facilitar o entendimento de seus trabalhos, uma vez que há características mais gerais em seus trabalhos e outras mais específicas, que os diferem dos demais.

O trabalho de Judd, assim como dos outros artistas minimalistas, está intimamente ligado ao processo industrial: objetos seriados, com materiais não comuns ao universo artístico, mas ao universo industrial e do cotidiano das pessoas. No trabalho ao lado, "Sem título", é possível observar essas caacterísticas: "quadrados" de mesmo tamanho, de disposições idênticas, e intervalados por espaços milimetricamente arranjados. Seu material é o alumínio nas laterais das peças, e acrílico nas bases e coberturas, permitindo uma visualização completa dos objetos: tanto interna quanto externa. O uso do acrílico colorido demonstra uma das pesquisas visuais próprias de Judd: a percepção espacial em de meios não usuais. A luz penetra nas peças, mas pela disposição em pilha dos objetos, a sombra predomina, e a incidência da luz é diferente em cada objeto, a pesar de serem iguais. Segundo David Batchelor, essa é uma constante nos trabalhos de Judd: muitos deles são parecidíssimos, mas não iguais, pois o que Judd pretende é mostrar como diversos materiais em diversas cores e diversas formas interagem entre si e o ambiente. Não há um modelo de trabalho, um padrão, mas diversos trabalhos que interagem de certa maneira entre si, mantendo sua leitura própria e única. Para ilustrar esse ponto, acrescentei uma foto da mesma linha de esculutras em pilha. É clara a divergência que cada peça possui e as diferentes formas que mabas interagem com o ambiente.

Para mais trabalhos de Judd, visitem o site da Judd Foundation.

...minimalismo mexicano...

2008-02-29T09:30:00.000-08:00

Damián Ortega, artista mexicano, participou da nossa Bienal de São Paulo em 2006, curadoria de Lisette Lagnado. Artista minimalista, desenvolveu diversos trabalhos que dialogam profundamente com o universo de artistas como Donald Judd e Sol LeWitt.

Nesse trabalho, chamado Controller of the Universe, de 2007, Ortega coleta diversas ferramentas e as pendura no espaço expositivo cuidadosamente, apontando cada objeto no sentido oposto ao centro imaginário da construção geral. Combinando o nome do trabalho à sua visualidade, logo se percebe as intenções do artista. Ortega relaciona todo esse ferramentário à explosão inicial, o Big Bang, movimento inicial de modelagem do universo, momento que definiu toda história subsequente. No caso da explosão, tem-se a idéia de aleatoriedade, uma vez que uma explosão é incontrolável. As massas e matérias resultantes da explosão são num primeiro momento advindas do acaso.

A "explosão" de Ortega, pelo contrário, seria a explosão do controle, ou seja, as ferramentas que botariam ordem na desordem do Big Bang. São os objetos geradores de ordem, controladores do ambiente.

Claro, não há como não pensar que a obra poderia ser uma ironia a tudo isso que foi dito. O que acaba sendo mais ordeiro, o mundo de, origem aleatória, pré-humano; ou o caos urbano "ordenado" pelo homem?

Para mais imagens da obra, visite o site White Cube, na página do artista.

...Oscar Wilde...

2008-02-26T08:14:00.000-08:00

Hoje não postarei nenhuma análise de obras de arte. Mas um texto muito bom que está no prefácio do livro O Retrato de Dorian Gray que esclarece bastante o lance de arte, artista e crítico. O livro já vale pela introdução.

"O artista é o criador de coisas belas.
Revelar a arte e ocultar o artista é a finalidade da arte.
O crítico é aquele que pode traduzir, de um modo diferente ou por um novo processo, a sua impressão das coisas belas.
A mais elevada, como a mais baixa, das formas de crítica é uma espécie de autobiografia.
Os que encontram significações feias em coisas belas são corruptos sem ser encantadores. Isso é um defeito.
Os que encontram belas significações em coisas belas são cultos. Para esses há esperança.
Existem os eleitos, para os quais as coisas belas significam unicamente Beleza.
Um livro é, de modo algum, moral ou imoral. Os livros são bem ou mal escritos. Eis tudo.
(...)
A vida moral do homem faz parte do tema para o artista, mas a moralidade da arte consiste no uso perfeito de um meio imperfeito. O artista nada deseja provar. Até as coisas verdadeiras podem ser provadas.
Nenhum artista tem simpatias éticas. A simpatia ética num artista constitui um maneirismo de estilo imperdoável.
O artista jamais é mórbido. O artista tudo pode exprimir.
Pensamento e linguagem são para o artista instrumentos de uma arte.
Vícios e virtudes são para o artista materiais para uma arte.
Do ponto de vista da forma, o modelo de todas as artes é a do músico. Do ponto de vista do sentimento, é a profissão do ator.
Toda arte é, ao mesmo tempo, superfície e símbolo. Os que buscam sob a superfície fazem-no por seu próprio risco.
Os que procuram decifrar o símbolo correm também seu próprio risco.
Na realidade, a arte reflete o espectador e não a vida.
A divergências de opiniões sobre uma obra de arte indica que a obra é nova, complexa e vital.
Quando os críticos divergem, o artista está de acordo consigo mesmo.
Podemos perdoar a um homem por haver feito uma coisa útil, contanto que não a admire. A única desculpa de haver feito uma coisa inútil é admirá-la intensamente.
Toda obra de arte é completamente inútil."

Como sempre, um link para aprofundar no assunto.

...dois é um...

2008-02-24T07:23:00.000-08:00

Robert Rauschenberg é um dos grandes artistas que fizeram da década de 50 uma das viradas na história da arte. Num momento pós guerra, numa europa em crise, tanto econômica quanto artística, surgem nos Estados Unidos artistas de qualidade excepcional que acabaram, entre outros fatores como a migração de artistas, a mudar o centro da arte mundial de Paris para Nova Iorque, e Rauschenberg está entre estes grandes. Considerado como um dos precursores e posteriormente participante da Pop Art, sua abordagem artística possui características que o aproximam bastante de Duchamp e outros Dadaístas no sentido de inserção de conceitos em suas obras.
Em Factum I ,1957 , Rauschenberg cria uma tela com colagens e gestos de tinta, e logo em seguida, cria outra tela idêntica. Ora, a segunda obra possui os mesmos adjetivos que fazem da primeira uma obra de arte, ou é considerada cópia? Mas como pode ser cópia se quem fez é o próprio Robert Rauschenberg? O nome que ele dá a sua obra, Factum I, já é um questionamento a esse respeito: uma obra de arte é um fato único? Pode ser refeito? De Chirico, pintor, obteve bastante sucesso com telas surrealistas, embora não as considerasse dessa maneira. No final da vida, quando não mais vendia seus quadros, recomeçou a pintar suas grandes obras do periodo surreal, e quando diziam que estava copiando, respondia perguntando como poderia copiar algo que era ele mesmo que havia feito? A obra era dele e pronto. Ele pintava o que queria.
De certa forma, essa visão tira a aura da obra de arte, como evento único e envolto em certa mística, banalizando o que se tem por arte. Uma obra não pode ser apreciada, embora imperfeitamente, atravéz de uma foto via internet ( elemento de democratização do acesso à arte)?
Segue link para texto a respeito de Robert Rauschenberg.

...penso logo escrevo...

2008-02-20T13:02:00.000-08:00

Esse trabalho de que falarei agora foi um dos primeiros que fiz uma análise própria quando comecei a estudar história da arte. Na verdade, ele chega a ser bastante literal. Em Mind over Matters, de 1993, Janet Zweig monta um mecanismo que liga por um jogo de roldanas uma pedra e um cesto, dentro do qual um computador vai despejando um rolo de papel. No papel, vão impressas diversas sentenças que a máquina randomicamente combina a partir de três frases:
"I think therefore I am." --Descartes
"I am what I am." --Popeye
"I think I can." --The Little Engine That Could
O resultado são frases bastante interessantes, do tipo:
I am what I think I am.
I think I am.
I can think what I can think therefore I think.
I can I am.
I can therefore I can.
E assim por diante. Conforme o papel vai caindo no suporte com palavras impressas, o peso do cesto começa a se equivaler ao da pedra, até que essa se suspende no ar.
Como disse, é um trabalho bastante literal. Pode ser visto como uma metáfora do peso que as palavras possuem, ou de idéias, ou do conjunto dessas. Mas gostaria de atentar para as frases usadas: uma de um filósofo que revolucionou a história da filosofia e abriu as portas ao movimento moderno, mas também ao relativismo; outra de um personagem de desenho animado; e outra de uma história americana. Todos de conhecimento popular, afinal, todos conhecem a célebre frase "penso logo existo" de Descartes, o personagem e o conto. No conjunto, a leitura que faço desses elementos é a crítica à tentativa de justificação de um modo de pensar e de agir, no caso, o american way of life, colocado fortemente pelo conto infantil e pelo Popeye, através da repetição incessante de idéias muitas vezes desconexas, mas que se não pensadas a respeito, soam bonitas, como "posso, portanto, posso". Todas essas idéias são empurradas por mecanismos organizados e programados por alguém, no caso o computador, a ponto de tirar o peso da realidade e da lógica da consciência do homem: lugar de pedra é no chão, não suspensa por um fio.
Outros trabalhos da artista no seu site.

...arte africana...

2008-02-18T16:57:00.000-08:00

Depois de três posts seguidos de artistas com vários pontos em comum, além do fato de serem pintores, optei por continuar com um pintor, porém de uma linha diferente das demais. Odili Donald Odita é um artista africano atuante, que ano passado participou da aclamada Bienal de Veneza com uma grande "instalação", se é que pode ser chamada assim.
Nascido na África, muda-se cedo para os Estados Unidos, onde começa sua formação artística como artista abstrato. Conhece um núcleo de artistas nigerianos também e trava contato com sua cultura. Numa análise em aula de Agnaldo Farias, a obra, exposta na bienal de veneza, possui profunda ligação com a arte africana. Como uma forma de cada família mostrar sua marca e suas características, pintavam na frente de suas casas texturas visuais como a acima, mas isso não como senso artístico, e sim como identificação social, sendo feita a muitos anos. Nessa instalação, Odita pinta todas paredes de uma única sala com esse tipo de textura, criando uma "aura", uma atmosfera, que nada tem a ver com um museu, mas muito mais com uma decoração tropical, embora feitas dos mesmos elementos geométricos que trabalharam artistas do hard-edge, tipo de pintura concreta abstrata.
Ora, a abstração na arte ocidental apareceu em 1910 na Europa com Kandisnky, e há muito tempo já se vinha fazendo na África, embora sem a intenção artística européia. Trata-se sem dúvida da pintura concreta européia com cores e aspectos africanos. Isso serve para a pergunta que já foi apontada em um post anterior: pelo fato de não terem a mesma intenção, os pintores africanos não são artistas como os europeus? Ou seja, é a intenção artística que torna algum trabalho uma obra de arte? Arthur Bispo do Rosário por não se considerar artista, o seria ou não? O trabalho artístico possui autonomia suficiente para dissociar-se de seu idealizador?
São perguntas que não querem calar... E algum dia conseguirei respondê-las... Novamente, ao invés da resposta, contentem-se com o site do artista.

...neoplasticismo...

2008-02-14T13:18:00.000-08:00

Um dos membros mais conhecidos do grande conjunto da arte concreta é o Neoplasticismo, de Piet Mondrian e de Doesburg. As telas neoplasticistas certamente são famosas pela sua composição regular, vermelha, amarela, azul, branca e preta, e muita gente as conhece, embora a maioria ignore o porquê dessa maneira de pintar.

Uma das características do modernismo é a procura da arte perfeita, do máximo da arte, que salvaria o homem enquanto ser emancipado pela razão. Diversos movimentos colocaram-se como inequívocos, messias das verdades pictoricas e artísticas. O Neoplasticismo não foi diferente: como o próprio nome revela, é um "novo plasticismo", um novo formalismo visual, que coloca-se como reinício de toda era artística, que se vinha decaindo e não mais representava as verdades humanas. Dessa maneira, convinha que se reiniciasse toda história da arte, começando do ponto correto para que se chegasse onde se deve. O meio de representação é abstrato geométrico pois não há forma mais pura que o quadrilátero. Não se aceita também as linhas diagonais, por causa da ambiguidade destas, e o mesmo para formas circulares e qualquer ângulo que não o reto, perpendicular à lateral da tela. As cores são as cores primárias, pois, além de serem estas que originam todas as demais, são primeiras cores identificáveis pelo homem. E esta etapa da arte seria temporária, pois chegaria a hora em que arte e vida fundiriam-se, sem haver mais separação aparente entre ambas. A figura ao lado é o desenho de um cômodo de casa projetada pelo arquiteto e designer Gerrit Rietveld, onde se pode observar que a identidade visual do movimento foi usado também nas artes aplicadas.

Pode-se observar que, apesar de toda racionalidade presente nas telas, trata-se de um movimento bastante espiritualizado, quase messiânico. E um dos mais intrigantes da história da arte moderna. Para conhecer mas sibre Piet Mondrian, confita o site em sua homenagem, com layout neoplasticista e tudo.

...meticulosamente desalinhado...

2008-02-12T13:57:00.000-08:00

James Siena é daqueles artistas que, sem conhecer um pequeno panorama da arte moderna, seriam indecifrável. Ainda atuante, o artista possui influências fortes e claras do expressionismo abstrato, da arte de rua e do minimalismo americano.

Essa tela, Global Key in Four Colors, de 2004, é uma boa escolha para análise. Possui uma ligação com a arquitetura, já que assemelha-se com uma cidade vista de cima, mas não deve ser lido dessa maneira. Sua relação com a arquitetura é mais racional que visual: sua tela é constituida de quadrados dentro de quadrados, subconjuntos do mesmo elemento. Possui uma linguagem formal que remete à repetição de sistemas: casas sobre casas, dentro de casas, acima de casas, multiplicadas, somadas, subtraidas, mas todas casas.

Observando-se atentamente, além de repetir-se um dentro do outro, os quadrantes são constituidos dos mesmos conjuntos de sistemas: numerando no sentido horário a partir do superior esquerdo de 1 a 4, o quadrante 4 é igual ao 1, espelhado verticalmente e horizontalmente. O mesmo os pequenos subconjuntos se repetem a cada quadro: um inteiro, a metade, a metade da metade, etc... Essa característica da repetição e da modulação pertence ao minimalismo americano, comentado brevemente no post sobre Flavin. Outro elemento que o liga ao movimento americano é sua rigidêz formal: embora feito com traços livres e desalinhados, o quadro é feito sobre uma rígida malha construtiva. Primeiro quatro, depois cada quarto em quatro, e assim por diante. Daí vem o nome do quadro: Global Key, como uma "Chave Global", numa tradução literal: o mundo constitui-se de sistemas e subsistemas, todos feitos da mesma "matéria prima" (o homem e suas inter-relações), sendo que isso pode ser estendido para outras áreas (arquitetura, cultura, biologia, citologia, etc...), sem acabar sendo simplista, pois se acaba dando bastante input para o pensamento.

Não existem sites em português sobre o artista, portanto, segue link para um artigo do New York Times.

...geometria orgânica...

2008-02-10T06:26:00.000-08:00

Em 2007, uma exposição chamada "Da Bauhaus a (Agora)!" esteve no MASP, trazendo artistas influenciados pela escola de artes e arquitetura Bauhaus. Um dos artistas apresentados foi Adolf Richard Fleischmann (1892 - 1968), pintor que trabalhou por um período de sua carreira artística como Concretista, mas a partir de 1937, abriu mão desse rigor geométrico em prol de uma maior liberdade orgânica abstrata. Em 1952, deixa a Europa e se muda para os Estados Unidos, onde continua sua produção, até sua volta à Alemanha em 1965 até 1968, quando falece.

A obra "Sem Título (Cinza-Rosa)" (1955) é de seu período final, quando já na Alemanha. Mostra-se bastante relacionada à Geometria Construtivista, mas sem seu rigor de medidas e linhas retilínias. Sua tela possui um certo rítmo de formas inter-relacionadas semelhante a um quebra-cabeças, com peças, sempre com seis lados, que se juntam e se encaixam para a formação de um todo abstrato. Essa estrutura divide o quadro numa forma de cruz, separando o quadro em quatro partes. Num primeiro plano do quadro, no entanto, se destacam as linhas verticais pretas que exprimem certo volume, profundidade à tela, com um ponto de fuga no centro da mesma. O mesmo se observa em seu fundo, onde as formas "quebra-cabeça" confluem para o centro do quadro. Estabelecendo duas diagonais que cortam o quadro de canto a canto, se verifica uma redução das formas conforme se aproxima do centro da tela. Claramente, a proposta de Adolf não é a ilusão da perspectiva, já há muito "desprezada" pelos artistas abstratos, mas dar certo movimento à composição, tornando-a mais dinâmica. A paleta cromática da tela se reduz , a grosso modo, ao cinza, rosa, azul, e marrom para o fundo. A diferenciação entre cada peça se faz, mais do que por linhas fronteiriças, pela mudança de estruturas e texturas de seus conteúdos. A intercambiabilidade de cores, de preenchimentos, e da ausência de ambos forma a separação entre cada módulo da obra.

Para mais sobre o que foi exposto, visite o site do MASP sobre a exposição.

...peles e aberrações...

2008-02-08T03:53:00.000-08:00

Na exposição Sk-interfaces o visitante poderá conhecer até onde consegue "engolir" arte. Trata-se de uma exposição onde artistas criam aberrações com pele tanto humana quanto animal, em tecidos às vezes híbridos, ou enxertados, etc. Pelo tom da minha descrição é possível perceber minha opinião a respeito do que se está fazendo.

Com propostas fortes, a exposição choca o visitante. O modo como fazem suas obras, de certo modo brincando com a dinidade do corpo humano, é o que causa a repulsa dos que conhecem os trabalhos. Muito do que falam é bastante claro, mas a força de suas atitudes mesmo assim parecem desproporcionais.

Um exemplo do que se fará é a obra dos artistas Marion Laval-Jeantet e Benoît Mangin, que criaram um tecido híbrido de células humanas e suínas. Com o tecido tatuado com algum desenho, a obra se consuma com o enxerto de tais trabalhos no corpo do colecionador, para que este possa "vestir e absorver as obras". Ora, está claro que trata-se muito mais de uma crítica que de uma obra apreciativa, afinal aquele que resolver receber em si o tal tecido mostrará que coloca a arte acima do patamar que esta deveria estar: deixa de ser elemento para fruição, ou do pensar a vida, para tornar-se um "deus-arte". No mesmo sentido, porém diametralmente oposto ao que a exposição mostra é a adoração que se faz ao redor da Monalisa, de Leonardo DaVinci. A obra torna-se uma coisa que deixa de tratar do mundo, perde sua "função" de intermediário entre realidade objetiva e subjetiva para tornar-se fim de posse. Diviniza-se a tal ponto que deixa de ser saudável, e é o que acontece com esse mix humano-suíno. Chegar ao nível de aplicá-lo ao corpo demonstra total irresponsabilidade para com o mesmo e total irracionalidade. Eu diria que a obra se consuma sim no enxerto do tecido ao corpo do colecionador, mas não para se "vestir e absorver a obra", e sim para demonstrar a ignorância e insensibilidade daquele que a recebe, sem que se tenha consciência disso.
Para conhecer mais sobre a exposição, leia o artigo da BBC Brasil a respeito.

...colchão...

2008-02-06T15:43:00.000-08:00

Valeska Soares, mais uma artista nacional da década de 80 de expressão internacional, já expôs inclusive na Bienal de Venesa, uma das mais importantes exposições de arte, junto da Documenta Kassel e, quem diria!, da nossa Bienal de São Paulo, onde já expos também.

Nesse trabalho, exposto ano passado na Galeria Fortes Vilaça, Untitled, from After [Mattress I] , 2007 , da série After, é um dos trabalhos que bem mostram a direção e capacidade da artista. O material usado pela artista para o trabalho é o mármore, e é isso que faz o trabalho acontecer: Valeska brinca com a percepção do espectador. O olhar tátil deste o engana, dando aparência de maciez a algo que é duro. E o nome dado à série, After, nos faz intuir, pelas marcas no colchão, que o trabalho é como que resultado de algo feito anteriormente: after something, provavelmente, alguém deitar-se. Essas marcas são o que nos dá a impressão de uso, de fofura, de mole. Talvez o intuito da artista é justamente confundir o visitante, demonstrando que nem tudo é o que parece.
Outro ponto interessante é que esse material, o mármore, remete ao passado, às esculturas renascentistas que tanto impressionam as pessoas. O colchão esculpido pela artista de fato demonstra bastante habilidade pela semelhança que possui com a realidade. Chega a ser irônico um material tão nobre e uma execução tão bem acabada terem sido usados para talhar um colchão, e ainda um colchão usado. Mas se a artista usou um material nobre, e empregou tamanha habilidade, o que a difere das adoradas estátuas renascentistas? A arte estaria, portanto, no virtuosismo do artista, como muita gente acredita ao ver um belo quadro acadêmico, mas que nada fala? Ou a arte estaria no subjetivo, no algo mais além da aparência? Ortega y Gasset nos diz em seu livro A desumanização da arte que o homem deve procurar na arte o que ele não encontra na vida real. O que não faz parte do seu cotidiano. E não tem ele razão?

...sem título...

2008-02-05T06:44:00.000-08:00

Nazareth Pacheco é uma artista da geração de 80, com uma linha de trabalho bastante característica, normalmente relacionado à feminilidade, beleza, e intimidade. Nessa obra, Sem Título, 2004, Nazareth cria uma escultura bastante icônica. Representando uma lâmina cortante, torna-se signo da dor, machucado, e sangue, esse último, mesmo que apenas imaginativo, é o ponto de contraste visual com o material da obra: o fluido vital vermelho forte contraponto-se ao transparente ausente da lâmina.
Talvez por isso apenas de se observar a obra, já se sente uma agonia, e uma retração natural frente aos objetos perigosos. É justamente isso que torna o trabalho de Nazareth tão grandioso: a demonstração da força que o símbolo exerce sobre o homem. Mesmo com um material visualmente puro, imaculado, com linhas fortes e bem acabadas, a idéia que passa é de seu oposto.
Para mais obras, visite o site da galeria Casa Triângulo.

...diamonds...

2008-02-04T16:25:00.000-08:00

O trabalho de Karin Lambrecht está sempre bastante relacionado ao gesto da artista, à ação, e à semântica da ação, e como Iberê, Karin busca seu próprio rumo através da pintura, vivendo cada fase que necessita ser vivida. Neste quadro, chamada Diamonds in the Sky, 1992 , 2,50 x 2,50m, Karin mistura materiais, como a tela, tinta, cordas, arame, e vidro no centro, localizado sobre um buraco na tela. Em um texto, a artista enumera diversas relações entre material e outros materiais, entre material e idéias, e finalmente idéias e idéias, ligando a superfície ao gesto, à textura, à ação. A transparência ao pensamento, energia, sonho, consciência. "Possibilidades: remodelagem da mesma massa, remodelagem do molde, a remodelagem depende da ação e a ação está sujeita à imperfeição (texto da artista sobre a obra)". Ao falar de remodelagem, pressupõe-se algo colocado como "modelo", "exemplo", etc., e seu questionamento pressupõe ação do pensamento sobre seu conceito. No entanto, ação física e ação mental sujeitam-se à experiência vivida e à imperfeição, marca intrínseca ao homem. Assim, suas obras não podem ser idealizadas: fazem-se pela ação, co-ação e reação do material, ambiente e gesto; mas podem ser pressentidas, enquanto parte da ação essencial da artista. Controle mais acaso. E nada disso é tido como ruim, afinal, uma ação por si, não é boa nem má, é apenas movimento e matéria.
Veja outras telas da artista.

...cão/leão...

2008-02-01T08:03:00.000-08:00

Raul Mourão é um artista nacional atuante desde 1991, com uma vasta gama de tipos de trabalhos, desde desenhos, esculturas, até video arte (acima), que é o assunto do post. Em seu site, Raul dá uma pista do que se trata o vídeo, e o disponibiliza para download integralmente. A análise que farei aqui é da versão do YouTube, portanto, uma versão reduzida, mas que pelo fato de estar inserida num contexto diferente (no caso, no maior site de Vídeos do planeta), ganha levemente um algo a mais. No entanto, o que está escrito aqui são impressões minhas, não quer dizer que o autor os tenha formulado, nem queira dizer dessa maneira.

O vídeo possui cerca de 3 minutos, que são três minutos de uma perseguição a um cão que, claramente, se sente... atormentado pela fimagem. Possui um quê de Paparazzo, afinal o take é feito mesmo contra a vontade do cão, e publicado num site onde é observado despudoradamente por quem quiser assistí-lo, e quantas vezes quiser. Assim, como é colocado pelo artista, tem seus 15 minutos de fama, embora não o pareça querer, chegando a, com um ar de famosidade, ameaça atacar o responsável pela filmagem. A crítica está justamente àquele que filma e àquele que assiste. O cão não tem culpa: vive como aprendeu, e queria continuar como estava. Embora personagem de histórias, famosas ou não, não quer alguém no seu encalce.

E por estar postado no Youtube, misturado a milhões de outros vídeos dos mais diversos gêneros, deslocado de onde se espera por encontrar arte, ou seja, num museu ou galeria, vem a pergunta: para alguém que o visse sem querer, navegando a esmo, seria possível identificá-lo como obra de arte? Afinal, o que faz algo ser uma peça artística ou não? É seu lugar de exposição? É seu conteúdo? É se seu autor o afirma como tal? Num mundo como o de agora, onde as mídias se confundem, e é possível de as acessar a cada momento de qualquer lugar, como distinguir um trabalho de arte de algo que não é? Esse tema é colocado por Nelson Leirner em seu trabalho Jornal do Não Artista, 2007, também da exposição Futuro do Presente, e é um grande debate no meio artístico contemporâneo.

Apesar das indefinições, o pensar sobre o trabalho já traz uma série de benefícios e tanto. Vale também conferir o blog do artista para conhecer mais sobre o que ele pensa e outros trabalhos.

...história sem fim...

2008-01-30T10:40:00.000-08:00

A História sem Fim, publicado pela primeira vez em 1985, de Michael Ende, é daqueles livros que te prendem página a página, parágrafo a parágrafo, até que esteja acabado. É... Paradoxalmente, a História sem Fim acaba. Com uma linguagem acessível, muitas vezes lembrando um livro infantil, a essência do livro é a própria literatura em si. Tentarei falar do livro sem estragá-lo para aqueles que ainda não o leram...

Afirmo que o livro fala do livro, que fala da palavra, da letra, etc., pois, sendo a palavra a matéria prima de uma história, A História sem Fim aborda justamente esse tema: a criação de uma história. No decorrer desta, mais histórias são criadas, e dentro destas, outras são citadas: um fato leva a outro. Um pequeno acontecimento por mais aleatório que pareça desencadeia uma sucessão de coisas as quais mal se imaginaria no princípio! E não estou falando apenas do livro, mas da vida. E o que é um livro de histórias senão uma vida que se vive com o outro? Justamente é esse um dos motivos da História sem Fim: mostrar ao leitor que um bom livro é aquele que o leitor sai diferente, como Bastian no final. Viver uma vida diferente da sua na pele de outro personagem deve modificá-lo no final da história, se não, foi perda de tempo. Além disso, há outros meios que Michael Ende usa para falar de literatura: poesia é um dos mais correntes, encontrado em trechos como a conversa comUiulala, o oráculo, ou das canções, etc.

Há um trecho em especial que gostaria de colocar, que é quando o personagem principal da história, Bastian, está lendo o livro, e o toque de um relógio de torre o distrai. " Os pensamentos de Bastian regressaram contrariados à realidade. Sentia-se contente por a História Sem Fim nada ter a ver com a realidade. Não gostava dos livros que, com mau homor e acidamente, narravam acontecimentos vulgares, da vida absolutamente vulgar de pessoas absolutamente vulgares. Conhecia muito bem tudo isso da sua vida real (...)". É interessante a visão do garoto, de dispensar esse tipo de livro, diferenciando a realidade da história da sua. Como mencionado antes, uma boa leitura é aquela que mexe com a pessoa. Há de fato, histórias que o autor é mais seco e direto, como nos Russos, ou Saramago; e há outras histórias que tudo é feito por meio de metáforas, e esse é o caso de A História sem Fim. Não afirmo ser mais rico ou não uma comparada a outra, é questão de gosto. Eu, particularmente, gosto de ambas. E A História sem Fim merece o gosto de todos.

...la guitare...

2008-01-29T15:53:00.000-08:00

A Guitarra, 1914, de Pablo Picasso, foi um marco na história da escultura. O Cubismo já se vinha sendo desenvolvido há alguns anos pela europa, com o próprio Pablo e com Braque à frente do movimento. Com o intuito de demonstrar uma nova maneira de encarar a realidade, o cubismo abre mão das emoções, das impressões, e de tudo que meche com a percepção pura e simples, para criar uma nova maneira de figuração.
Como a perspectiva não passa de ilusão, de uma brincadeira que se faz com o olhar e com a mente do espectador, o cubismo resolve dar ao espectador diversas vistas que não teria de apenas um ponto de vista. São vários lados de um mesmo objeto representados planificadamente.
A Guitarra é a aplicação desse conceito à escultura. Além disso, o material, a execução, a aparência, a falta de acabamento, etc., tudo é um questionamento do que se vinha fazendo até o momento no campo da escultura. Não há polimento, nem aparação das rebarbas, o material se encontra no estado bruto, revelando e expondo um violão de maneira que a percepção usual não o perceberia. Para isso que a arte cubista veio: para ampliar os horizontes do que se entendia por aparência, por visão, por ilusão, e, finalmente, por realidade, afinal, a realidade subjetiva é formada pela percepção dos sentidos e intuitiva, e essa escultura, por exemplo, expande o que se pensa como um violão. Leia mais sobre a guitarra de picasso no site do MoMA, onde ela agora se encontra exposta.

...construtivismo...

2008-01-28T13:16:00.000-08:00

Kandinsky inicia a abstração com uma pequena aquarela em 1910. Malevich começa o suprematismo com Quadrado Preto sobre fundo Branco. Tatlin inicia seus relevos. E assim começa a odisséia do construtivismo. Depois o Neoplasticismo, por fim, sob o nome genérico que engloba a todos meios de abstração geométrica, arte Concreta.

Lázlo Moholy-Nágy, artista partidário dessa teoria construtivista, e professor da Bauhaus, desenvolveu uma vasta pesquisa nesse campo, se destacando no campo da ótica e iluminação.

Nesse trabalho, Mobile, de 1940, Moholy-Nágy resume toda sua pesquisa sobre luz e espaço. Justamente essa pesquisa desencadeiraria nos trabalhos de Flávin, como mencionado em post anterior. O nome Mobile já mostra a natureza da escultura: uma peça pendurada, deslocada do chão. É possível observar que é feita de plexiglass, um material escolhido a dedo pelo artista, pois remete à tecnologia, industria, e toda essa temática bastante em voga naquele período. Esse material, plexiglass, é transparente, portanto, permite a passagem da luz, e a luz passa de maneira diferente no meio dela e nas pontas. A obra de arte, assim, não está apenas no material, mas está no objeto, no seu movimento pelo vento, na luz que reflete dele, e na luz que o atravessa e se projeta sobre a superfície abaixo dele. E diferentes tipos de luz produzem diferentes tipos de reflexo.

Você pode encontrar mais trabalhos do artista no site The Moholy-Nágy Foundation. Vale a pena.

...iberê camargo...

2008-01-27T10:30:00.000-08:00

A verdade é estava evitando de falar de alguma obra de Iberê Camargo... Evitava porque o considero o melhor pintor brasileiro de todos os tempos, e falar dele portanto é algo difícil... E, sinceramente, estava com medo de falar dele, e acabar falando bobagens, embora tenha lido mais sobre ele do que sobre design, que é o que faço... Mas, não podia mais adiar...!

Essa tela se chama Carretéis (1958). Venâncio Filho o considera como um moderno tardio. Por essa pintura, é capaz de se perceber o porquê. O quadro é composto por desenhos de carretéis, o brinquedo da infância de Iberê, e o modo como os pinta, como os estrutura e dispõe no quadro demonstra forte influência cubista, que já se havia encerrado anos atrás. Os carretéis encontram-se empilhados, sem uma iluminação padrão, alguns estão até mesmo chapados na tela. Essa fase de Iberê, a fase pré-abstrata, é a fase em que questiona sua própria maneira de pintar, rasgando, expondo, destruíndo a forma que aprendera em sua fase de estudo na Europa com De Chirico e outros pintores. E essa procura por uma nova forma, Iberê a procura por si. Não queria formulas prontas, e por isso sua passagem da figuração para a abstração, e de volta à figuração na década de 80.

Esse quadro está dividido como que pelo centro, verticalmente, com ambas metades quase simétricas. Nas pontas. temos duas estruturas verticais, de mesmo peso visual, uma branca, outra branca e azul. Há próximo ao centro um carretél isolado vermelho que chama a atenção para si, e trabalha de contrapeso para um carretél branco, ao lado direto acima. O olhar, a partir desse carretél, começa a pulular pelos carretéis brancos, e passa por três hastes verticais na parte debaixo. Com cores sóbrias e uma tonalidade escura, características de Iberê, o quadro sustenta-se justamente por essa combinação de cores, formas e relações. Postarei no futuro algo sobre sua fase abstrata. Por enquanto, visitem o site da fundação Iberê Camargo.

...wish you were here...

2008-01-26T06:06:00.000-08:00

Uma das propostas que me impus ao criar o blog seria tentar ver as coisas de maneira diferente do que elas são vistas normalmente. E por esse motivo, falarei agora de uma música, ou melhor, de dois álbuns sob a visão dessa música. Trata-se de Wish you were Here, do Pink Floyd.

A banda, em 1973, lançou o magnífico Dark side of the Moon, álbum que trata de riqueza, fama, loucura e morte. Antes dele, a banda apenas era conhecida no meio underground da músic. Depois, explodiu nas paradas, com o album permanecendo no topo de vendas por anos seguidos. De fato, a banda alcançara o que buscava: o sucesso levou a banda a conseguir toda a fama e dinheiro que trataram no disco.
Wish you were Here normalmente é visto como uma homenagem a Syd Barrett. É compreensível. Mas prefiro vê-lo como um desabafo com relação ao Dark Side. A riqueza veio... Mas e daí? Onde se chega agora? Tudo que se pensava era só isso? O tom melancólico das músicas rimam com esse desabafo... Trechos das músicas o confirmam ainda mais... "Remember when you were young...you shone like the sun...", de Shine on you crazy Diamond, e o trecho "What did you dream? It's alright we told you what to dream", de Welcome to the Machine. Mas talvez a música que mais confunde o ouvinte quanto a sua temática seria Wish you were Here, que muito se confunde com a pessoa amada que está ausente. Pelo contrário, a música está encaixada nesse contexto de decepção e lamento, como vemos logo no princípio: "So you think you can tellHeaven from Hell". O que a sociedade colocaria como paraíso, como o máximo da felicidade, que é a riqueza e toda fama que eles conseguiram, não passou de inferno, de nada..."Running over the same old ground. What have we found? The same old fears... Wish you were here...". Penso que eles se refeririam, além do próprio Syd Barrett, aos próprios integrantes da banda, que ainda tocavam juntos, ensaiavam juntos, conviviam, mas... não como antes. Não estavam mais uns nos outros... E esse afastamento desencadeiaria no album The Wall e The Final Cut, ou seja, a ruína do Pink Floyd como banda, agora apenas como Roger Waters.

...futuro do presente...

2008-01-24T09:04:00.000-08:00

Está rolando no Itaú Cultural uma exposição de arte contemporânea intitulada "Futuro do Presente", com curadoria de Agnaldo Farias e Cristiana Tejo. Reune obras de dezessete artistas nacionais do mais alto calibre, com trabalhos fantásticos.

Sem Título, 2007, de Henrique de Oliveira, é um dos trabalhos que mais chamam a atenção dos visitantes, talvez pelo tamanho da instalação, talvez pela sua aparência, quem sabe? O fato é que o artista apodera-se de materiais de rua, como compensados de construções, e outras madeiras, montando um túnel onde o espectador adentra-se, e caminha por entre algo que parece uma concavidade corporea, de dimensões gigantescas. Ao pintar suas bordas de branco,o artista incorpora a instalação na arquitetura da sala de exposições, local usualmente limpo e neutro. De uma maneira Duchampiana, o artista aborda um aspecto ambiental, como vários outros na exposição, transformando o lixo, ser inanimado e apodrecido, em um ser de formas orgânicas, e o mais incrível, que chama a atenção do público e o convida para sua intimidade, para seu interior, seu conteúdo, coisa que o lixo em si dificilmente o faria. Assim, o material perde sua característica primordial de refuto apenas por estar num ambiente onde se espera encontrar arte e não lixo, embora mantenham-se suas características visuais e odoríficas.

A exposição segue até dia 10 de fevereiro, no Itaú Cultural. Av. Paulista, 149, metrô Brigadeiro. Site http://www.itaucultural.org.br/index.cfm?cd_pagina=2799&CFID=1818192&CFTOKEN=61416113 .

...luz e espaço...

2008-01-23T12:46:00.000-08:00

No primeiro post sobre arte propriamente dito, gostaria de escrever sobre um dos grandes artistas do Movimento Minimalista americano, Dan Flavin. O minimalismo foi um movimento que vigorou mais fortemente na década de 60, com artistas como Donald Judd, Carl Andre, Andre Buren, entre outros monstros. As obras minimalistas funcionam como intervenções espaciais, trabalhando com volumes, formas, luz e o espaço em si. Derivando do construtivismo, que já trabalhava nesse assunto de utilização do espaço, e incorporando elementos do Expressionismo Abstrato de Pollock, como a aleatoriedade, o minimalismo atua consequentemente de forma bastante intima com a arquitetura em si, que é a organização de espaços por excelência.

No caso de Flavin, seu material é a luz. Utiliza tubos de neon, coloridos ou branco, compondo no espaço com o material básico e intermediário de toda obra de arte: a luz. Sem luz, não se pode observar uma tela de Kansdinsky ou uma escultura de Rodin. Flavin não. Sua matéria é a luz própriamente dita, sem intermediários. E seu trabalho está na interação da luz com os ambientes onde são montados, portanto, são Site-specific, feitas para um lugar.

Um dos pontos interessantes de Flavin é que, a meu ver, resolve um dos problemas chaves do impressionismo, o abre alas do modernismo. Aqueles buscavam transmitir na tela suas impressões dos ambientes e paisagens. Flavin deixa que o próprio espectador tenha suas impressões do ambiente e das alterações que a luz causa neles, tendo, portanto, uma experiência tanto visual quanto espacial sem intermediários de nenhuma natureza.

Morreu em 1996, em New York, e possui um museu em seu nome, o Dan Flavin Art Institute, também em New York.

...para começar...

2008-01-23T10:38:00.000-08:00

Hesitei um pouco antes de criar o blog... mas por fim... Exitei! Afinal, o pior que pode acontecer, é eu falar bobagem, e uma bobagem a mais, uma a menos, qual a diferença? Pelo menos, que sejam boas bobagens!
O motivo de criar o blog foi... bom... ah! Enfim! Não importa! O que importa é que gostaria de falar de arte, e entenda-se por arte TUDO que esse nome abarca... artes visuais, artes literárias, artes culinárias (por quê não?), sétima arte, arte, arte, arte... Em resumo, falar sobre arte!
Claro que o que postarei serão um amontoado de opiniões pessoais, impressões, pensamentos, análises, e coisas do tipo... Mas, pelamordedeus, que façam sentido! E esse é o primeiro post... o porquê do blog... Sinto pelo seu tempo perdido ao ler esse amontoado de bobagens (que, como temia, já começaram!)...