...espaços cheios/vazios...

Encerrou sábado agora, dia 06/12, a 28a Bienal de São Paulo, uma das mais controversas exposições dos últimos tempos pela abordagem dos curadores, e a decisão de deixar vazio o segundo andar inteiro do prédio projetado pelo Niemeyer.

Mas como já comentei essa parte num post passado, aqui colocarei as minhas impressões após visitar a Bienal. Visitei a tempo de ver a bela performance Maurício Ianês "A Bondade de estranhos", que também causou certos comentários por aí a fora (muitos infelizmente mais focados na sua nudez inicial do que na sua atitude completa). O artista em suas performances normalmente foca no ponto da comunicação humana, mas nessa obra também é possível encontrar certa ironia social. O artista passou 2 semanas completas apenas do que recebeu das pessoas, e apesar de em determinado momento ter passado mal e vomitado, o "saldo" do que recebeu é bastante impressionante. Basta dar uma olhada nas fotos. A ironia está na pergunta: o que faz com que um artista que não corre perigo de vida algum (ele poderia desistir a qualquer momento, e pensou em vazê-lo) receba tantas doações para sua sobrevivência enquanto diversas pessoas morrem de fome na rua? Esse ponto me chamou bastante a atenção, até mesmo pelos depoismentos de pessoas que conversavam como Maurício, que lhe confiava segredos, que choraram, etc. Essas pessoas fariam o mesmo com um morador de rua? Esse certo grau de hipocrisia (que não pode ser generalizado) aponta para certas diferenças contextuais que se fazem bastante interessante, nos fazendo perguntar o por quê disso. Será um certo grau de "humanidade" no protagonista, coisa que não aparentaria haver num morador de rua, ou o local (uma exposição de arte), ou qual será?

Outro trabalho bastante bom também foi o do Iran do Espírito Santo (já falei dele em post passado também). A obra chama-se "Buraco de Fechadura", e data de 1999. Influenciado pelo movimento minimalista, aqui o artista trabalha com a questão espacial, lançando mão de uma das características do material utilizado, a reflexibilidade, para criar a ilusão de um ambiente interno a ele. O nome "Buraco de Fechadura" é como uma ironia ao resultado da obra. De longe, ela aparenta uma fenda na parede, mas na medida que nos aproximamos, seu caráter tridimensional se revela, bem como o ambiente reflexo, que na realidade é o próprio entorno do observador. A possibilidade de exploração do "além-parede" que uma fechadura normalmente possibilitam se mostra fracassada, revelando apenas a realidade do próprio observador, apresentada de maneira distorcida, nova a ele. Ele pode apenas observar o que já conhece, apenas de forma nova.

Outros trabalhos também se mostraram interessantes, como as máquinas de escrever que apenas escreviam pontos, ou os vídeos das performances da artista Marina Abramovic, e outros vídeos que se locavam no térreo da exposição. Outros trabalhos se mostraram simplórios, superficiais, por demais datados e auto-referentes, que não me pareceram relevantes o suficiente pro contexto, mesmo que pensados para ele. É o caso do trabalho da Valeska Soares (artista também já comentada aqui, embora daquela vez ela tivesse feito um trabalho bastante melhor), que colocou próximo à entrada da exposição um amontoado de letras em papel, todas sobre um grande tapete representando a capa do catálogo da primeira Bienal de São Paulo. A artista pegou o parágrafo introdutório do catálogo, pegou suas letras, as embaralhou e amontoou por sobre ele, como se estas estivessem "fugindo" dele, para uma nova avaliação do que seria essa bienal, uma nova leitura a ser feita. De fato, é essa a proposta da bienal em si, uma releitura do formato bienal, etc., mas a obra em si não possui força, chegando a ser literal demais, sem um elemento "surpresa", apenas uma figuração do conceito dos curadores. E é nesse ponto que peca. Fora que, a meu ver, esses trabalhos "encomendados", que não partem do artista diretamente, mas são feitos sobre certo pedido, são sempre inferiores se comparados à produção inerente ao próprio artista. Enfim, essa é uma visão que poderia ser discutida, trata-se apenas de uma impressão que tive.

Há outros trabalhos bastante bons, mas como o post já se prolonga, gostaria apenas de terminar comentando a exposição em si. Esse vazio colocado no meio da exposição, funcionando como uma quebra, pois o visitante vem de um andar com obras e ao passar para outro, não possui nada, só podendo encontrar mais no terceiro andar. Ou seja, esse andar foi passagem obrigatória. Eu aceito a idéia por detrás dele, mas não a justificativa "espacial" apresentada pela curadora, de observar o espaço projetado por Niemeyer no seu estado puro, a luz entrando no prédio etc. Essa é uma tentativa falha de conceitualização sobre algo, ou mesmo de justificar esse algo, e muito forçada. Se o vazio é o ponto de apoio, que seja ele, não chamemos a atenção para o espaço. Vazio é vazio, e a metáfora se fez muito bem, não precisando de mais explicações. E assim como essa explicação, grande parte da exposição também se mostrou precária. Descuidos de montagem, de locais usados, de pensamento expositivo, improvisos, falta de acabamento, etc. dominaram essa bienal. E esse descuido também causou uma péssima impressão naqueles que já não entendem o "linguajar" da arte contemporânea, afastando-os mais ainda de tentarem entendê-la.

No entanto, o saldo ainda me parece positivo. Quem não foi, perdeu. Quem foi e estagnou na questão do espaço inutilizado, também (e não na questão que ele explora). Assim como aqueles que pararam no nudismo do artista, ou no acabamento medíocre da exposição. No resto, valeu a pena. Torçamos apenas para uma melhor organização daqui a dois anos, para que esses pontos se solucionem.

...agrupamento minimo...

Continuando a coleção de posts sobre artistas minimalistas e pós-minimalistas, hoje encontrei algo bastante interessante. Essa obra, Stack, 1975, é do artista Tony Cragg, normalmente alocado no grupo dos pós-minimalistas. E aqui podemos encontrar um exemplo da influência de Rauschenberg nesse movimento.

Já sabemos que uma das características do movimento é a tentativa de universalização da forma através de formas puras, básicas, como o é o cubo, a esfera, o cilindro (formas já apontadas por cezanne como constituintes de todas as outras do mundo). E outro elemento característico do minimalismo é a apropriação de materiais industriais na construção de suas obras. Nesse trabalho encontramos ambas as características de certa forma, mas ao mesmo tempo encontramos outra, mais pertencente ao pós-minimalismo, que é o conceito por trás da obra. Podemos observar que a forma é de um cubo, que sua construção está de tal forma juntada que a gestalt geral do conjunto é algo que chama a tenção pela paradoxal uniformidade de texturas, de formas internas e de paleta cromática. Essa diversidade de materiais provém justamente dos objetos coletados pelo artista para a montagem da obra: são todos objetos ready-mades da construção. São blocos, cimento, madeira, etc., ou seja, materiais que constituem o mundo, que são a presença do ordenamento do homem na terra, do ordenamento do espaço, tão estudado pelos minimalistas. É essa característca de apropriação e de conversa com a interferência do homem no meio que aproximam os trabalhos de tony Cragg, de Iran do Espírito Santo e de Damian Ortega. Ambos trabalham com esse mesmo tema, seja pelos materiais, seja pela ferramenta, seja pela ação.
Outra característica compositiva da obra é o modo como Cragg faz para organizar seus materiais: os coloca todos horizontais, mantendo o equilíbrio com a altura da escultura (2m).
Para mais trabalhos do artista, visite o site da Tate Modern.

...formas mínimas...

Voltando à arte contemporânea, em especial ao minimalismo, mais especificamente no Brasil, tratemos do famoso Iran do Espírito Santo. O artista representou nosso país ano passado na Bienal de Veneza, e continua expondo mundo afora. Seu trabalho se calca bastante na percepção dos espaços, mais especificamente, em objetos e situações ordinárias, mas muitas vezes com metáforas bastante sutis e bem pensadas.

Copo d'Agua, 2006, é uma de suas obras mais famosas. O que se observa é a distorção visual que um objeto simples causa, um objeto cotidiano, ordinário, imperceptível senão num contexto como de uma exposição. E justamente é esse contexto que nos permite perceber sua beleza. A transparência imaculada, a simetria absoluta, a ausência de qualquer ruído visual, a sombra projetada com um foco brilhante próximo à base, o molde da realidade de acordo com suas

próprias regras, a limpeza de forma, a serenidade da inexistência de movimento, e finalmente a simplicidade absoluta contida nele são alguns dos elementos visuais aos quais estamos expostos diariamente, e nem percebemos. Não há como passar desapercebido de obra tão paradoxalmente grande.

Lembra até mesmo o famoso trecho da música do Gilberto Gil, cantada por Chico Buarque, Copo Vazio, que diz:

"É sempre bom lembrar
Que um copo vazio
Está cheio de ar."

Tudo é ocupado por algo, preenchido, seja por matéria, seja por sentidos, significados, relações, ambos os casos modificando o atuar do homem no mundo. Uma forte ideologia trabalha sobre o homem tanto quanto uma pancada num galho de árvore. O mundo físico e o mundo subjetivo são faces de uma mesma moeda, sempre juntos, funcionando ao "acaso", influenciando-se mutuamente e propondo infinitas possibilidades de ação, ou ausência de.

Outro belíssimo trabalho do artista é Sem Título, de 2004. Uma "rodela" de uma parede, um deslocamento material de uma situação tão sólida quanto uma casa, que ao mesmo tempo mostra-se frágil na forma de círculo, impondo certa tensão estática, já que qualquer mínimo toque o faria movimentar-se impreterivelmente. Expõe a estrutura básica construtiva do meio (o tijolo), e contrapões sua forma paralelepípeda ao recorde cilíndrico onde se encontra. Se fica a imaginar o local de onde foi tirado, o espaço aberto criado, e o modo como se o fez. Novamente o objeto é cotidiano, presente na vida de absolutamente todos, delocado de seu meio natural para que se ganhe vida por si só, por suas características visuais e compositivas. Mesmo o aspecto rude do tijolo consegue contrastar com a elementariedade de sua estrutura primária, bem como com a perfeição do recorte limiar do círculo, e de seu entorno imaculado, a sala da galeria.

Coloco aqui três links: um para seu espaço no site da Galeria Fortes Vilaça, outro para um texto em inglês sobre o artista, e um último para mais fotos de outra exposição do artista.