...formas coloridas...

Ano novo vida nova? Não, a vida é a mesma, mas de fato, a mudança de ano nos possibilita repensar nossos atos de maneira a quem sabe encontrar novas proposições de atuar. Isso é algo inconciente e acontece sem que percebamos... É como, numa comparação já batida, um caderno em branco. Todo novo caderno que pegamos para começar anotações como que fazemos um propósito de organização, de letra bonita e de não escrever nele bobagens, nem arrancar suas folhas. E assim é um novo ano!


O que pensei para esse ano? Ora, ser diferente! Mas isso é para outros posts, outras histórias. Quanto ao blog, pretendo ser mais constante nele... É só ver o ultimo post de quando data... É... faz um tempo... O importante é não parar!

Uma coisa que reparei também é que de dezembro pra cá, meu número de acessos diários caiu drasticamente. De quase 30 por dia, agora são 2 ou 3, num ápice de 7. Me parece que o pessoal que acessa esse blog é constituído basicamente de estudantes, que estando de férias, páram de estudar. Eita, brasilzão, né? Mas beleza, vou continuar gerando conteúdo para eles, para que nos seus trabalhos do semestre que iniciar-se-á em fevereiro/março, continuem tendo material de referência. Agora, ao post.

Hoje, de volta à pintura, escreverei sobre uma artista brasileira chamada Gabriela Machado. Como um caminho natural, a artista começou sua pintura figurativamente, com naturezas mortas, e agora pinta de maneira abstrata (Iberê Camargo também passou por esse caminho, depois finalizando sua vida de volta à figuração, embora de maneira pouco figurativa... É, essa sua fase final merece um post só para ele... Vejamos se terei capacidade para isso algum dia...). E é essa fase que aqui se encontra.

A obra ao lado faz parte da sua série "Cascas", de 2005. A fartura de tinta e de cores é algo bastante instigante nela, contrapondo-se à grande área limpa, branca no entorno da mancha de tinta, levemente deslocada do centro físico da tela. É um quadro de grandes dimensões (220 x 196 cm), o que o torna ainda mais impressionante. E ao mesmo tempo que percebêmos a iminente abstração presente na tela, vemos certo grau de figuração ao relacionarmos o nome ao conteúdo da obra. O termo "casca" remete a algo próximo a proteção, consequentemente, vitalidade, e na tela encontramos ambos elementos presentes respectivamente na cores derivadas do marrom na base da mancha e do vermelho, na sua área superior. Enquanto na parte inferior, essa "casca" possui veios bem marcados, com cores fortes, constrastando os ocres aos marrons e aos pretos, no vermelho há uma diluição, um certo caráter homogênio que engrandece essa contraposição das áreas da pintura. O gesto da artista em ambas áreas também prestam a essa impressão de interior/exterior a que o termo "casca" nos fala. O diálogo com o nome da série "Cascas" é fundamental à fruição da obra, bem como às demais telas.

Outra série sua, a série "vermelho" acaba chegando nesse mesmo diálogo nome e obra. O mesmo vermelho que antes nos lembrava certo organismo pulsante agora se encontra espalhado, fluido embora travado, ao longo da tela. Esse paradoxo "fluxo x estagnação" é um dos pontos de maior interesse na obra, pois embora esse vermelho seja expansivo, seu contraste com o branco é bastante forte, e as áreas onde aparece a tinta falha pela sua escasses no pincel da artista tornam esse sentido de estagnação bastante proeminente e expressivo. Ao contrário da série anterior, onde havia um núcleo na tela, um ponto pulsante, nessa há um esparramado por todo o campo, que transmite certa continuidade vertical que na outra não havia, chegando a instigar o observador a imaginar suas continuações, figurativando a abstração da tela.

Para mais sobre a artista, outros trabalhos no site do canal contemporâneo.

...abstracionismo...

Hoje deu uma vontade de voltar um pouco no tempo... Resolvi deixar pra lá um pouco a arte contemporânea e falar de um ícone do movimento moderno que viria a mudar o destino todo das artes plásticas. Não é bem uma pessoa, nem um movimento, mas uma tendência, e falo do abstracionismo. Arte não-figurativa é um enigma pra muita gente, e muitas vezes é preciso certa orientação para entendê-la.

O pai da pintura abstrata é Wassily Kansdisnky. Em 1910, fez sua primeira aquarela abstrata, representada ao lado. No entanto, seu desejo de a fazer veio de certo tempo antes, quando começou a vislumbrar que uma obra não necessariamente teria que ser figurativa (representar certa figura exterior) para ser uma obra. Dizia que toda pintura é um equilíbrio de abstração e realismo, no sentido de ter que abstrair a essência do objeto para aproximar-se ao seu conteúdo real. A arte não-figurativa para ele nasce do maior uso desse elemento "abstração" do que do realismo, esse por sua vez apresentando-se de forma "concentrada" na tela, sem deixar de existir. Mais à frente, Doesburg diria que todo quadro é abstrato, pois para se desenhar ou pintar uma vaca, abstrai-se sua essência, afinal, o quadro não é a vaca, mas representação desta. E diria que a obra não-figurativa por excelência é a arte geométrica (comentada em post anterior sobre Mondrian). Konrad Fidler escreveu certa vez que "(...)qualquer obra e arte só se justifica quando é necessária para representar qualquer coisa que não pode ser representada de nenhuma outra maneira". A pintura abstrata informal é justamente isso: expressar um movimento interior (de um sentimento qualquer) que não há outro modo de o definir.

Foram muitas as vertentes abstratas, mas uma das que mais admiram os espectadores (ou causam indignação em alguns casos) é a busca pelo traço infantil. O trabalho ao lado, do artista israelense Lea Nikel, Untitled, é um dos exemplos. O próprio Kandisnky e outro artista, Paul Klee, empenharam-se numa pesquisa profunda sobre o desenho infantil. Diziam que o ato de desenhar mais natural, onde há a verdadeira expressão interior, sem a ânsia por impressionar os outros, apenas de exteriorizar certo impulso interior de interpretar algo, é o desenho infantil e dos loucos. A criança desenha uma cadeira com pernas tortas, ou desproporcional, mas para ela, aquilo é uma cadeira. Se contenta com o que fez porque é daquela maneira que ela a entende. Diversos artistas tentaram retornar à essa fase, como na pintura ao lado, ou na aquarela acima. A cor é tratada intuitivamente, os traços são espontâneos, os erros não existem, a composição é empírica, é tudo feito no momento. E a arte abstrata informal por vezes tenta justamente apropriar-se desse modo de fazer, desse modo de pensar, para expressar-se de forma verdadeira, não convencional, instantânea e à livre interpretação.

...meticulosamente desalinhado...

James Siena é daqueles artistas que, sem conhecer um pequeno panorama da arte moderna, seriam indecifrável. Ainda atuante, o artista possui influências fortes e claras do expressionismo abstrato, da arte de rua e do minimalismo americano.

Essa tela, Global Key in Four Colors, de 2004, é uma boa escolha para análise. Possui uma ligação com a arquitetura, já que assemelha-se com uma cidade vista de cima, mas não deve ser lido dessa maneira. Sua relação com a arquitetura é mais racional que visual: sua tela é constituida de quadrados dentro de quadrados, subconjuntos do mesmo elemento. Possui uma linguagem formal que remete à repetição de sistemas: casas sobre casas, dentro de casas, acima de casas, multiplicadas, somadas, subtraidas, mas todas casas.

Observando-se atentamente, além de repetir-se um dentro do outro, os quadrantes são constituidos dos mesmos conjuntos de sistemas: numerando no sentido horário a partir do superior esquerdo de 1 a 4, o quadrante 4 é igual ao 1, espelhado verticalmente e horizontalmente. O mesmo os pequenos subconjuntos se repetem a cada quadro: um inteiro, a metade, a metade da metade, etc... Essa característica da repetição e da modulação pertence ao minimalismo americano, comentado brevemente no post sobre Flavin. Outro elemento que o liga ao movimento americano é sua rigidêz formal: embora feito com traços livres e desalinhados, o quadro é feito sobre uma rígida malha construtiva. Primeiro quatro, depois cada quarto em quatro, e assim por diante. Daí vem o nome do quadro: Global Key, como uma "Chave Global", numa tradução literal: o mundo constitui-se de sistemas e subsistemas, todos feitos da mesma "matéria prima" (o homem e suas inter-relações), sendo que isso pode ser estendido para outras áreas (arquitetura, cultura, biologia, citologia, etc...), sem acabar sendo simplista, pois se acaba dando bastante input para o pensamento.

Não existem sites em português sobre o artista, portanto, segue link para um artigo do New York Times.